Hace pocas horas ha empezado el que para muchos es, año tras año, el festival que le roba todo protagonismo a Cannes por su selección más heterogénea y estimulante de películas a concurso, y fuera de él. Venecia se ha vestido de gala para rendir homenaje a Clooney y Brad Pitt, como superestrellas de la nueva comedia disparatada de los hermanos Coen; y su público se ha reído a carcajadas y ha concedido un gran logro narrativo a la nueva payasada de los locuelos hermanos, su Burn After Reading.

A algunos no nos pareció algo tan especial aquel No country for old Men, y sin embargo estamos deseando que se estrene la nueva aventura de memos incurables parida por los Coen. Esta vez una de espías (en realidad una panda de tarados que no tiene nada mejor que hacer con sus vidas que meterse en intrigas inexistentes), en la que dicen que los actores lo bordan en todos y cada uno de los papeles, y que siendo menos densa y existencialista que la anterior película de los Coen, es más gozosa y hasta más redonda.

Iremos informando de cómo se va desarrollando esta Muestra de Arte Cinematográfico puntualmente, para que los amantes del cine sepan qué se cuece al otro lado del Mediterráneo. Quién estuviera allí…

Festival de Venecia

Hay dos hechos que no puedo negar: uno es que el personaje de el Hombre Hormiga, quizás uno de los héroes más absurdamente potentes del universo Marvel (leches, es de los cuasi-imprescindibles en Los Vengadores), nunca me ha parecido minimamente interesante; el otro es que, todo lo poco que me importa ese superhéroe lo compensa frontalmente el desmesurado interés y ferviente devoción que tengo a la figura del director/guionista Edgar Wright.

Wright, con dos películas en su haber, Shaun of the Dead (chanantemente llamada en su versión española como ‘Zombie’s Party’, por mucho que el propio Wright adore la traducción de tres al cuarto) y Hot Fuzz ( ‘Arma Fatal’, sí, vaya tela con los títulos ), ha demostrado ser un habilidoso analista de géneros, haciendo en ambos casos una fina parodia de los tics propios de cada uno, zombies y policiaco, para después hacer un uso serio de las posibilidades de la temática y desmelenarse en dos finales a cada cual más apoteósicos.

El hecho de que Wright se hiciese cargo de la adaptación cinematográfica del Hombre Hormiga era una señal de que merecía la pena estar atento. A día de hoy, y aunque no haya grandes avances en su producción, el inglés se ha desmarcado con unas declaraciones en las que afirma que no sólo sigue el proyecto adelante, sino que él sigue al frente del mismo.

En sus palabras, escribí el primer borrador del guión que, para ser honestos, llevó cerca de 2 años ya que realicé ‘Hot Fuzz’ en medio. Pero hice ese borrador justo antes de la huelga (de guionistas) del año pasado y creo que es de mis favoritos entre todo lo que he escrito. Fue una pasada hacerlo.

Añade, sé que (en Marvel) están muy contentos con lo que he hecho, y en verdad, de la buena, el atractivo que eso tiene para mí es el hecho de que el Hombre Hormiga es considerado ligeramente un héroe de cuarta categoría. La razón de todo, para mí y lo que pretendo, ha sido siempre coger algo que pueda no parecer ‘cool’ en principio y hacerlo que lo sea, y ese es el caso de la policía británica en ‘Hot Fuzz’.Coger aquello que pueda parecer lo menos interesante posible y hacer algo realmente alucinante de ello. Siempre me ha gustado esa premisa.

Cuando era pequeño tenía una reimpresión de ‘El hombre en la colina de las hormigas’, lo que podríamos denominar la primera historia de el Hombre Hormiga, y siempre me fascinó. La mayoría de los films que implican una reducción de los protagonistas hacen que estos estén en peligro y en cambio aquí el que disminuye de tamaño es el que tiene el poder. Más que ser algo terrible, es lo que realmente hace de tu personaje el espía /héroe de acción más duro posible.

Y ahí tenemos el tono del film de Wright. No lo pierdan de vista.

Vía: IGN movies

Viendo las risas que se echaron ustedes con el visionado del vídeo del Superman indio que pusimos ayer, no está de más recordar que hubo otros superhéroes que tuvieron versiones casposas y realizadas por los propios americanos.

Spiderman fue película a finales de los 70. Doy fe porque un servidor pudo verla en aquella época en el cine de su pueblo cuando no levantaba más de un palmo del suelo. De hecho, tal despropósito debió tener cierta repercusión porque incluso recuerdo haber tenido un álbum de cromos. En EE.UU. se convirtió en serie, que supongo que tendría incluso menos presupuesto e imaginación que la película. Aquí les dejo con un trailer que es carne de cine de barrio de la época. Snif, que recuerdos.

Como se que el rollito asiático les mola, tras el salto les pongo la inevitable y coetánea versión japonesa.

Si hace poco comentábamos, a cuenta del próximo estreno de Babylon A.D., cómo la carrera de Mathieu Kassovitz en el terreno de la dirección iba de mal en peor, las noticias que surgen alrededor, el buzz podría decirse, generado por la cinta de sci-fi protagonizada por Vin Diesel no indica que la tendencia mejore.

La Fox, productora de la cinta, cuenta en su currículo reciente con genialidades estratégicas tales como destrozar y cancelar el Firefly de Whedon, quitar de la parrilla Futurama (aunque ahora se están resarciendo con esos dos pepinos de películas que son El gran golpe de Bender y La bestia de un millón de espaldas) o hacer pasar por un calvario al interesante Xavier Gens ( Frontière[s] ) hasta el punto de renegar de ese bodrio llamado Hitman, que se parecía lo que él quería lo que una tostadora a una silla.

Pues según Kassovitz, que ha decidido desvincularse tanto del proyecto después de la mala experiencia con la productora hasta llegar al punto de irse a una isla del Caribe y pasar de promocionar la cinta, lo que le han hecho sigue en esa línea. En una entrevista reciente ha calificado la cinta como pura violencia y estupidez con partes de la película recordando a un mal capítulo de 24.

Eso son perlas del director.

La producción se retrasó 3 semanas supuestamente por problemas personales de Kassovitz y supuestamente, del mal trato que ha tenido con los productores, que según él han destrozado la cinta, y en general con el mercado americano, ha despedido a sus representantes allí.

La película he tenido nefastas críticas previas, aunque la versión reseñada es un montaje del director que se distribuirá fuera de E.E.U.U. y no precisamente por la Fox.

Aún así Kassovitz continúa diciendo que Fox mandaba abogados que miraban todos los puntos y las comas. Lo hicieron todo difícil, de la A a la Z.

La productora no comenta las declaraciones del director galo, y se muestra optimista con las posibilidades comerciales del thriller de sci-fi, subrayando el hecho que la estrella, Diesel, sí apoya firmemente la campaña.

Extracine sección prevención de riesgos cinematográficos les ha avisado.

Vía: Variety

Me uno a la fiesta digital de mis dos compañeros en sus últimos post reivindicando los ricos mundos de Final Fantasy. Esta saga de videojuegos surgió a finales de los 80 como un canto del cisne (de ahí su nombre, fantasía final) de la, entonces al borde de la quiebra, compañía Square. El sorprendente éxito de aquel primer juego saneó las arcas de estos desarrolladores japoneses y se convirtió desde entonces en la franquicia de juegos de rol más famosa e importante (con permiso de los Zelda y los Dragon Quest).

Reconozco que no fue hasta el 2001, cuando jugué a Final Fantasy X, que tuve mi primer contacto con la saga. A partir de ahí me hice con todos los capítulos anteriores y he seguido con fidelidad los posteriores.

A finales de aquel 2001 se estrenó en cines Final Fantasy: The Spirits Within, película que realizaba la propia Square a través de unos estudios afincados en EE.UU. y que supuso un tremendo batacazo tanto crítico como de público.

La película afrontaba visualmente la representación humana a través de la animación por ordenador. Algo que en aquel momento no era habitual en el cine pero sí en los videojuegos. Uno de los grandes errores de The Spirits Within fue dejar de lado los ricos mundos de la franquicia de la que cogía el nombre para volverse más terrenal. ¿Dónde estaban los bellos escenarios y las historias épicas en mundos maravillosos a los que nos tenían acostumbrados?.

Cada historia en Final Fantasy suele ambientarse en mundos distintos, dando alas así a la dirección artística y al desarrollo de personajes. La ambientación asiática de FFX se veía sustituida así por la influencia mediterránea de FFXII y el cuento trágico que nos relataba el primero se tornaba en compleja trama política en el segundo.

El número de horas que ronda la duración de estos juegos, una media de 100, permite realizar un sosegado arco de transformación de los personajes así como incluir más puntos de giro de los que solemos encontrar en un guión cinematográfico.

A la espera de la llegada a occidente en 2010 de la entrega XIII os dejo con su último trailer que por lo que deja ver, sigue atesorando todas las virtudes que han hecho famosa a la saga. En definitiva, mantiene el espíritu del que careció su encarnación para el cine.

Calibrar el talento y los logros de Lucas (que ahora estrena The Clone Wars, un fracaso en taquilla que no pienso perderme), son una empresa nada fácil, excepto para los que son incapaces de perdonarle su éxito. Lean, lean:

Aunque ‘La amenaza fantasma’ se comenzó a rodar en 1997 y dicho rodaje sólo duró 65 días, realmente su gestación comenzó a finales de 1994. En esos días, George Lucas, alma mater de todo este montaje, decidió que la tecnología estaba ya lo suficientemente desarrollada como para poder llevar a la pantalla los extraños mundos y personajes que él había imaginado para la cuarta entrega de esta historia que comenzó hace mucho tiempo en una galaxia lejana, muy lejana.

Puso en marcha un equipo formado por 250 informáticos que durante 2 años dieron forma a este universo digital. Para las casi 2.000 tomas que comprende la película, de las cuales el 95 % han sido realizadas digitalmente, se crearon 65 decorados, 140 monstruos, más de 1.200 trajes diferentes y tres mundos virtuales. Durante el rodaje los actores de carne y hueso conviven con otros que no han sido creados, y la mayoría de los escenarios donde se desarrolla la acción no son más que inmensos decorados azules hasta que en la fase de posproducción los ordenadores les dan forma. Antes que comenzara el rodaje ya se había realizado digitalmente el story board en baja resolución. Durante toda la grabación y diariamente, se enviaban al centro de producción digital mediante líneas RDSI (líneas telefónicas más rápidas que las convencionales) las tomas realizadas para allí retocarlas, reenviarlas de nuevo y recibir el visto bueno. También se crearon aplicaciones informáticas para resolver problemas que de otro modo habría sido imposible solucionar, por costo y tiempo de realización. Por ejemplo, para crear público que abarrotase el estadio durante la carrera de Pods (esas cuádrigas un tanto particulares) se desarrolló un software específico con el que se modelan seres y ellos tienen libertad de movimiento por sí mismos: evitan chocar entre ellos, se mueven en diferentes direcciones e incluso pueden decidir irse a casa si el espectáculo no les convence. Así mismo se tuvo que crear un algoritmo para el movimiento de las orejas de Jar Jar (el simpático acompañante de los protagonistas) para no estar definiendo esa animación manuelamente. Al mover la cabeza sus orejas describen el movimiento correspondiente automáticamente. También se creó otro programa para crear los pliegues necesarios en la ropa de Jar Jar cuando este anda. Por último, una curiosidad. Sólo existe una secuencia en toda la película que no ha sido retocada digitalmente, ¿adivinan cuál es?

Chiqui de la Fuente

El País, sección ‘El Espectador’, 15 de agosto de 1999

Fuente: La escenografía en el cine (El arte de la apariencia), de Félix Murcia

Una cantidad considerable e incluso ingente de aficionados al mundo de los videojuegos por todo el mundo es adicta al World of Warcraft, uno de los paradigmas actuales de juego online, aunque no me atreveré a decir que el mejor de ellos puesto que algún avezado aficionado me puede saltar al cuello.

Hay un proyecto de adaptación cinematográfica de esta franquicia de fantasía por parte de Warner y Legendary Pictures, que al ser anunciado se especificó que combinaría imagen real y CGI, en una proporción sin determinar. También se indicó que la historia se situaría un año antes de los eventos acontecidos en el primer World of Warcraft, contado desde la perspectiva de la Alianza, que los entendidos sepan lo que es. Pero ahí acabaron los datos.

No sabremos más de la película, y aunque no soy una persona dada de jugar en general, sí he estado y estoy rodeado de personas que gustan de tales placeres, y han compartido conmigo el entusiasmo, mínimo, por las intros, auténticos despliegues de técnica superlativa, exhibiciones de épica, ritmo, diseño y dramatismo, que, ojalá, vean en su traslación a la gran pantalla una potenciación de sus virtudes. Aquí, como ejemplo, la intro perteneciente a la segunda expansión del juego, World of Warcraft: Wrath of Lich King. Después del salto, unas cuantas más.

Vía: Coming Soon

Cuantas más veces penetra uno en el misterio de El Espejo, esculpida en 1974 por el poeta Andrei Tarkosvki, más sencillo resulta adentrarse en los serpenteantes e inesperados meandros de un relato denso y agotador; pero más difícil resulta mirarse en el espejo que es la película, pues la inquietud y la violenta melancolía conque están construidas sus imágenes no decrece a cada nuevo visionado, sino que se acrecienta y se apodera de la mente y la memoria del espectador.

No hay en ella el más leve atisbo de facilidad para con el espectador, pues Tarkovski le tenía en tan alta estima que no temía aburrirle, ni desesperarle, ni pedirle el máximo esfuerzo a la hora de colaborar con el director en la creación de la película. Baste la asombrosa secuencia (para muchos, una de las más impresionantes que se han hecho) que ponemos al alcance del lector al inicio de estas líneas, para dar una idea del alcance de este enigma que es El espejo.

¿Cómo construir una película sin tema, sin mensaje, sin trama? ¿Cómo darle vida sin un protagonista, o mejor dicho, sin un protagonista visible, corporeizado? ¿Cómo comenzar por el final y terminar por el principio? ¿Cómo desdeñar el clímax, el ritmo externo, la lógica causal? En su cuarta realización, Tarkovski se propuso hacer realidad esos imponderables, presentes en el cine narrativo y convencional, dispuesto a dinamitar leyes que para él enmudecen y achatan la capacidad del cine para retratar la vida en dimensiones que no existen en la realidad.

El espejo es una película que resiste cualquier intento de definición al uso, de crítica fácil con ideas estereotipadas sobre el cine y sobre el arte, de esas que tanto abundan en la prensa escrita y en las páginas de internet. No tiene miedo de ser tal cual es, aún a riesgo de provocar un rechazo absoluto, como ha sucedido a menudo con ella. Pero, ¿qué es El Espejo? Resulta todo un desafío escribir sobre ella. El Espejo es un sueño, un recuerdo, un eco, un ansia de belleza absoluta, de rozar con los dedos la eternidad.

Construida en torno a una serie de episodios visualmente independientes, pero unidos por los lazos que los personajes establecen entre ellos, no disponemos en la película más que de una abstracta estructura que amenaza en un primer acercamiento a cualquier cliché narrativo, pero que a poco que el espectador preste la debida atención se revela una nítida colección de recuerdos, paisajes, diálogos tumultuosos, sueños envolventes…Y no hay nada más. Así, Tarkovski es el verdadero protagonista de la película: sus deseos, sus obsesiones, su sentido de culpa…todo ello es el alma de la película.

Y es que la película se antoja como algo completamente real, como un intento desesperado de comunicación universal de las emociones y los sentimientos que a todos nos unen. Nada más y nada menos. En ocasiones, la poesía de Arseni Tarkovski, padre del director, otorga un cariz existencial, casi metafísico, a las hipnóticas imágenes carentes de énfasis, de manierismo y de divismo.

Y si el alma de la película es el agitado y atormentado mundo interior del director, su corazón es la bella y magnífica intérprete Margarita Terekhova, que aquí vuela hacia niveles insuperables de representación y expresión física, dotando al personaje de la madre/mujer del protagonista de una belleza y una verdad literalmente indescriptibles. Su papel es dificilísimo, y ella lo hace fácil, aparentemente. El plano a cámara lenta, irrepetible, en el que el niño abre la puerta y ella se encuentra arrodillada preparando algo para comer es la imagen absoluta de la Mujer, de la Madre, auténtico motivo sentimental (la culpa que sentía Tarkovski por no haber querido demasiado a los suyos…)de esta obra de arte: es una declaración de amor.

Hoy día, un cine de esta altura y riesgo estéticos, está casi desaparecido, y la labor de buscarlo y otorgarle su mérito es casi obligada para cualquier persona que conozca y ame el cine.

Un año más, los organizadores del Festival de San Sebastián, sin duda el más importante de los que se celebran en España, parece más que dispuesto a ofrecer secciones paralelas de gran interés, con las que poder acceder a perlas de otros festivales. En la sección, muy convenientemente titulada ‘Zabaltegui-Perlas’, están programadas nada menos que la esperada película de Woody Allen Vicky Cristina Barcelona, la nueva comedia con la que los hermanos Coen abren en pocas horas el Festival de Venecia, Burn After Reading, la ganadora de la última Palma de Oro del Festival de Cannes, Entre Les Murs, de Laurent Cantet, o la también esperada Happy-Go-Lucky del gran director británico Mike Leigh…

Es decir que no nos podemos quejar. La sección oficial, a concurso y fuera de él, parece de lo más interesante, pero ahora que empiezan a calentar motores, cada vez estamos más ansiosos porque comience esta gran fiesta del cine en España.

Vía: El País

No recuerdo los nombres exactos pero en uno de los cápítulos más celebrados de los Simpsons la vitriólica familia contrataba a una niñera y el diálogo era algo así:

-Hola soy Shary Bobbins -Será Mary Poppins -No, no, soy Shary Bobbins, un personaje original como el Fato tonal o Nicky Nause.

Pues bien, Hollywood y Bollywwod se enfrentan ahora mismo por el inminente estreno de la producción india Hari Puttar. Ejem, como supondrán ustedes en Warner no están muy contentos con el sospechoso parecido de ese nombre con el de su gallina de los huevos de oro Hary Potter. Munish Purii, director ejecutivo de Mirchi Movies, los estudios que piensan estrenar la película el 12 de septiembre, comenta:

no creo que nuestro título tenga alguna similitud o relación con el de Harry Potter

A cuadros me quedo, vaya. Veremos en que termina esto, mientras les pongo algunos vídeos que no tienen desperdicio y sí relación con lo que acabamos de comentar.

Enlace: Hollywood contra Bollywood por Harry Potter

Vía: europapress

Decía el director del Festival de cine de Berlín que incluyó Filth and Wisdom, el debut en la dirección de Madonna, en la selección oficial del último festival porque recibió una carta de la Ciccone invitándose ella misma a participar. Y que ante una misiva de tales características uno no puede decir que no.

Luego la crítica la destrozó, pero eso es ya consecuencia lógica de buscárselo.

La película nos cuenta la historia de 3 seres marginales que comparten piso en Londres: una farmacéutica adicta a las drogas, una aspirante a bailarina que trabaja como stripper de todo a cien y un bosnio, o checo, o croata, cualquiera sabe, pero loco y que quiere ser estrella del rock pero mientras trabaja como dominatrix travesti. Falta un perro con tutú enganchado a los barbitúricos.

Por lo menos uno de los protagonistas es Eugene Hutz, el entrañable guía de Todo está iluminado. Aunque por el otro lado está la suma Madonna y cine. Que no suele tener buen resultado. Aquí, el trailer, absolutamente bajo su cuenta y riesgo, en francés y con avistamiento de algún choto salvaje:

Vía: Film Junk

Hace unos meses dejamos constancia en esta página de las carencias (carencias…que descarado eufemismo) de Guillermo Zapata como guionista y director, con motivo de la aparición de su primer cortometraje suyo, Y todo va bien, después del bombazo que dicen que fue Lo que tú quieras oir.

Ahora, un amigo residente en Estados Unidos se ha lanzado a dirigir una especie de remake/homenaje/parodia (más bien lo último), y nos ha pedido que le digamos qué nos parece. Yo, que lo he visto, diría que todo lo que en Zapata es soberbia disfrazada de falsa humildad, todo lo que en su trabajo es mediocridad y sosería, aquí está realizado con bastante más gusto y conocimiento del cine.

Para empezar, su director no se toma en serio a sí mismo, hay un punto de vista mucho más claro en este trabajo que en el original, y el montaje y las tomas son más precisas y menos facilonas. Le falta un cierto sentido del ritmo, y a menudo sería interesante no regresar al mismo plano varias veces. Pero lo más señalable es cómo deja al descubierto la pomposidad y superficialidad del corto de Zapata, contando lo mismo, pero sin tanta mojigatería.

Ya me diréis qué opináis…

Pues sí. A parte de buen actor (que lo es), un director más que digno, un hombre atractivo considerado por muchos/as uno de los actores más deseados de la Tierra, de ser muy rico y de ser una persona muy activa políticamente y de ideas izquierdistas, además de todo eso, parecer ser que Clooney es un caballero. Algún defecto tendrá…

Pero hasta que lo descubramos, nos quedamos un tanto estupefactos al enterarnos de que el otro día Clooney sufrió un pequeño accidente en la carretera, en Penabilli, resultando un choque de poca gravedad contra un Lancia Ypsilon, conducido por una mujer. El actor admitió que la culpa era toda suya, pero la sorpresa de la mujer fue mayúscula cuando encontró en el garaje no su antiguo coche, sino el mismo modelo nuevecito, valorado en 18.000 €. Lo que nadie se pregunta es ¿hubiera hecho lo mismo de ser un hombre? ¿Cómo de atractiva tenía que ser la mujer para que Clooney le dejara en el parabrisas una nota que rezaba “Lo siento mucho. Espero que me perdones. George Clooney”? Pero en cuanto al supuesto atractivo de la chica, en ninguna noticia hablan de eso.

Repito que es un buen actor.

Enlace: La irresistible disculpa de George Clooney

Andre Perkowski vuelve a la carga. Si ya pusimos por aquí su interesante proyecto Silent Shadow of the Bat-Man, vídeo montaje que recreaba el origen de Batman y su galería de villanos utilizando material de la época muda del cine, es ahora Arkham Asylum el protagonista de los dos siguientes cortos.

Como no podía ser de otra forma el expresionismo alemán aporta turbadoras imágenes desde clásicos como Nosferatu, Das Cabinet des Dr. Caligari o El Golem para retratar el famoso manicomio y a sus desquiciados inquilinos. También podemos apreciar algunos de los experimentos visuales del seminal Melies. Aquí tenéis Mark of the Mad Hatter y tras el salto la segunda parte, Riddle Me Deadly. Disfrutadlos.

La duda que tengo es si el autor se está saltando sus propias normas al utilizar material no mudo para la realización de los cortos. Las imágenes de Batman parecen sacadas de seriales de los años 40 (recordemos que el hombre murciélago fue creado por Bob Kane a finales de los 30), y son por lo tanto sonoras. Salvo por este detalle no queda otra que congratularnos por la continuación tan particular proyecto.

En 2006 se estrenó Superman Returns, la cinta de Bryan Singer que suponía retomar la dormida franquicia del hombre de acero en la ahora dorada era de las adaptaciones cinematográficas de superhéroes.

La película, que costó una suma descomunal de dinero, no fue un fracaso de taquilla, ni mucho menos, pero los ejecutivos de Warner esperaban un resultado mucho más impactante. Es así como su continuación quedó un poco en el aire, pendiente de las decisiones tanto por parte de la productora como por parte de Singer, que en movimiento parecido al de Christopher Nolan, quería hacer otro tipo de películas entre superhéroe y superhéroe.

Es ahora cuando el presidente de Warner Bros., Jeff Robinov, en unas declaraciones a The Wall Street Journal, afirma que Superman Returns no funcionó como película en el sentido que queríamos… No posicionó al personaje donde necesitábamos que lo posicionara. Si Superman hubiera funcionado en 2006 habríamos tenido la siguiente para estas navidades o las de 2009, pero ahora nuestro plan es reintroducir a Superman.

En un movimiento similar al realizado con Marvel y su segunda película de Hulk respecto a la de Ang Lee, el propósito de Warner con la siguiente aventura de nuestro kryptoniano favorito es empezar desde cero la franquicia, muy posiblemente con vistas a preparar el terreno a una futura película de supergrupo, también en un movimiento similar al de Marvel con Los Vengadores.

De hecho, las cintas de Singer y Lee son dos aproximaciones, podríamos decir de autor, al género, alejados de convencionalismos y tics formales, y centrados, no sólo en la esencia de los personajes (Superman es pureza y Hulk es ira) sino en el desarrollo y análisis de los mismos por encima de la espectacularidad barata. Sobra decir que no son películas que recomiendo a la ligera, que no suelen gustar a mucha gente, o por lo menos entusiasmar como a mí, por ejemplo, pero que como eventos cinematográficos son soberbios ejemplos de calidad y sensibilidad.

Para Navidades de 2011, Warner, que es propietaria de DC Comics, tiene planteado sacar 4 películas basadas en sus licencias de cómic, a saber, la de Superman, una nueva de Batman y dos centradas en alguno de los personajes que tienen en desarrollo: Green Arrow, Flash, Green Latern o Wonder Woman. Su intención es, dado el éxito de la oscura aproximación al género realizada en El Caballero Oscuro, que dichas películas continúen con un tono similar.

Sí, incluída la de Superman.

Es decir, no es sólo obviar la cinta de Singer, sino contrariarla de punta a punta.

Ay, válgame….

Vía: Film Junk