Pues sí. Lo cierto es que a Quentin Jerome Tarantino no es que le hayan tratado muy bien precisamente en eso de las ediciones de dvd. Recuerdo una divertida anécdota que ya conté aquí hace un tiempo, aunque seguro que las hay peores, en la que hacía referencia al pitorreo que muchas veces sufrimos en este país los consumidores de cine.

Hubo un tiempo, hace ya muchos años, en que circuló por ahí una edición penosa de la ópera prima del genio de Tennessee, que nadie en su sano juicio se atrevió a comprar, pues pronto nos dimos cuenta de lo que podía dar de sí el nuevo formato que ahora dicen que puede pasar con tanta rapidez a ser historia. Ahora, desesperados todos de que no la editasen, por fin Manga Films nos hace felices a muchos. Saldrá el 5 de noviembre en un edición sencilla, otra especial y otra Blu-Ray.

Recordemos que la trama de este magnífico filme gira en torno a seis atracadores profesionales que se desconocen entre sí y que fallan al dar un gran golpe, reuniéndose después para encontrar al chivato. Reservoir Dogs le dio justa fama mundial a su máximo responsable y forma parte de lo más interesante del cine independiente norteamericano de los 90.

No, no es un spoiler lo del atraco, se sabe nada más empezar la película… por si alguien aún no la ha visto.

Enlace: Reservoir Dogs en Blu-Ray en España

Desempolvo mis viejos números de la mítica revista METAL HURTLANT y transcribo:

Una vez la divinidad me reveló en un sueño: Tu próxima película a de ser DUNE.

A principios de los 70 una mente inquieta y llena de talento decidió llevar al cine DUNE, la novela de Frank Herbert. Alejandro Jodorowsky, chileno de origen y artista total, encontró pronto un aliado en el francés Jean Giraud Moebius uno de los más grandes creadores de mundos e influyente autor de cómics.

Dalí iba a ser el emperador y su trono un retrete de oro, la música correría a cargo de Pink Floyd (que en aquellos momentos preparaban The Dark Side of the Moon), las naves estarían diseñadas por Christopher Foss, Giger daría vida al planeta Harkonen, los efectos especiales serían de Dan O´Bannon (después de rechazar a Douglas Trumbull por vanidoso), la dirección y el guión serían de Jodorowsky y los storyboards de Moebius. Meses de trabajo terminaron con el proyecto cancelado ¿Qué pasó?

Ganamos casi todas las batallas pero perdimos la guerra. El proyecto fue saboteado en Hollywood. Era Francés y no americano. Su mensaje no era bastante Hollywood. Hubo intrigas. Pillaje.

Según Jodorowsky tanto trabajo no cayó en saco roto, aunque tampoco de su lado.

El storyboard circuló por las principales productoras. Después, el aspecto visual de Star Wars se parecería mucho a nuestro estilo.

Para hacer Alien llamaron a Moebius, Foss, Giger, O´Bannon, etc. El proyecto enseñó a los americanos la posibilidad de hacer películas de ciencia ficción a gran escala y fuera del rigor científico de 2001.

Todos los que participaron de la ascensión y caída del proyecto DUNE aprendieron a caer una y otra vez con la misma obstinación hasta que aprendieron a mantenerse en pie. Recuerdo a mi viejo padre en su lecho de muerte diciéndome feliz: Hijo mío, he triunfado en mi vida, porque aprendí a equivocarme

En 1984 DUNE llegó a los cines a través de la mente de David Lynch y la producción de Dino De Laurentiis. El planeta Harkonen estaba diseñado por Giger.

¡Bwa-ha-ha-ha-ha! ¡Sí! ¡Es él! ¡Y está donde le pertenece! ¡La venganza de Oprah! Las posibilidades de esto tienden a infinito

Y de regalo, una tarta, así en plan chungo, con cables que salen de ella, sin remitente y la más que posible capacidad de hace tic-tac si acercas el tímpano, como la que recibieron en la emisora KENS 5 Eyewitness news ayer:

Viva, viva, viva el marketing viral, por Santa Martha Wayne.

Concretamente Diablo Cody, la oscarizada autora del guión de una de las películas del año pasado, la muy sobrevalorada (sólo por los norteamericanos, afortunadamente) Juno, que va a escribir una comedia, aún sin título, para el más famoso director de cine del mundo, y para Dreamworks, claro está.

La pareja ya ha trabajado codo con codo en el proyecto The United States of Tara, y aunque muchos puedan tener mucha ansiedad respecto a este proyecto, lo cierto es que está en una fase muy temprana del proceso creativo, y vete a saber qué ocurrirá finalmente, pues si todos los proyectos que le han adjudicado a Steven Spielberg en los últimos años se hubiesen hecho realidad

Ya veremos en qué acaba esta comedia. Iremos informando.

Enlace: Diablo Cody to write new Steven Spielberg comedy

Y es que… ¿A poco no? aunque las películas de verano hasta el momento la mayoría han estado bien ejecutadas, de alguna u otro manera ya sabemos de qué van y cómo estarán planteadas.

Son historias que ya conocemos y que solo estamos esperando ver cómo las van a plasmar en el celuloide.

Pero la nueva cinta de Will Smith si no es perfecta por lo menos si es bastante original. Recién ayer leía en una revistita que dan en los complejos Cinemex de México que el guión de Hancock estaba disponible desde hace más de 10 años. Al parecer nadie le tenía fé a este súper héroe haragán, ebrio y prepotente.

Peter Berg se sigue superando, después de su intensa The Kingdom nos muestra que también puede hacer comedia con súper efectos especiales.

Will hace un buen trabajo y cada vez me parece más carismático. De la sobriedad y dolor que nos extendió con su papel en I am Legend nos trae este irreverente personaje lleno de defectos, que siempre esta a la defensiva y encuentra en el whisky a su mejor compañero (algo así como su Robin embotellado). La dirección y puesta en escena de Hancock no es nada del otro mundo pero el personaje esta bien plateado, es divertido y en verdad puede resultar un dolor en la trasero de la sociedad.

Algo pasó con Hancock y es que me parece un material digno de convertirse en cómic o novela gráfica. ¿Cuántas veces hemos visto que el material de los cómics y las novelas gráficas son llevadas a la pantalla?: una y otra vez. Pero cuando has visto una película que te gustaría ver extendida en material impreso, claro están Star Wars y los personajes icónicos como el Predator y los Aliens o hasta Michael Myers y Jason Voorhes, pero Hancock tiene una compleja capa de conflicto debajo de la superficie que espero sea explotada en otros medios.

Para terminar, la cinta es muy divertida, bastante original, muy desarticulada en varias cuestiones pues salta de un lugar a otro sin ton ni son pero es tal vez esto lo que la haga diferente al resto de las cintas de verano.

Muy recomendable si no quieres ver algo demasiado eleborado.

El festival de Sitges homenajeará en octubre el mítico film de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio. Pero no es la única película de ciencia ficción clásica que podrá disfrutarse en pantalla grande. A 2001 se unirán Planeta Prohibido, El planeta de los simios o Encuentros en la tercera fase. Es una oportunidad única de desterrar la imagen que tenemos de estos clásicos encorsetada en la pantalla de un televisor.

Por si fuera poco se exhibirá una copia en excelentes condiciones de King Kong, la película original de 1933, que vendrá acompañada de un documental sobre su rodaje producido por Peter Jackson.

El festival contará con la presencia de Douglas Trumbull, maestro de los efectos especiales. Como este año posiblemente podamos cubrir el evento en directo, se me ocurren un par de preguntas que nuestro enviado especial puede realizar al señor Trumbull: ¿Que piensa de la triste vigencia que tiene actualmente Naves misteriosas, la película que dirigió en 1972? y ¿Qué le hizo cambiar la frialdad de los efectos de 2001 y Naves misteriosas por las corpóreas luces de Encuentros en la tercera fase y Blade Runner?. Démosle trabajo a nuestro enviado especial ¿Alguien se apunta a alimentar este cuestionario improvisado?.

Vía: Sitges homenajeará “2001: Una Odisea del Espacio” en el 40 aniversario filme

Enlace: La Vanguardia

Tengo pocas expectativas con esta película, sin embargo me temo que iré a verla, aunque luego quizá me arrepienta. Es lo que tiene admirar sin ambages la primera película, que es una de las mejores y más emocionantes obras maestras de la entera historia del cine, así como la segunda, que roza la perfección y cuyas secuencias de acción aún no han sido superadas por nadie. Ahora bien, ambas tenían en común un denominador común que a muchos (más de lo que pensamos), se la trae floja: su director y guionista, que no participó en la tercera parte, una bochornosa y risible continuación.

Recordemos que dirige el director McG, que no ha hecho nada del otro mundo salvo decidir ponerse tan espantoso mote para el noble y difícil oficio de dirigir películas. La protagoniza Christian Bale como John Connor, lo que no deja de tener su miga, pues el ‘teaser’ que veis aquí será estrenado el viernes junto a la proyección de The Dark Night.

Personalmente, es una de esas piezas de montaje publicitarias que me ponen de los nervios, con tanto corte a negro, pero me alegro de ver que se han tomado en serio lo de contar, de una vez, la guerra del futuro contra las máquinas. Ya veremos si está a la altura, aunque desde aquí me atrevo a vaticinar que no. Espero equivocarme. Se estrena el 22 de Mayo en todo el mundo.

Enlace: Terminator Salvation Teaser Trailer, ¿What do you think?

Uno de los componentes de la decisiva, trascendental en muchos aspectos, generación norteamericana surgida en los años 70, el oriundo de New Jersey Brian De Palma, es también uno de los veteranos y consagrados de su oficio con más controversia a sus espaldas, pues aunque nadie duda de su maestría técnica (dueño de un talento para ‘narrar con la cámara’, para asombrar con una planificación visual al alcance de muy pocos) ha construido una carrera irritante de puro irregular, sembrada de fracasos estéticos muy rimbombantes y ambiciosos pero que pocas veces cuajan en un relato bien armado, coherente y cabal.

Nunca un director de tanto talento ha asombrado con una ficción del nivel de Carrie, por ejemplo, para luego caer en la desfachatez con The Bonfire of the Vanities. Un realizador siempre a la sombra, estética y temáticamente hablando, del gran Scorsese, y que podría haber dado, quizá, mucho más de sí. Sin embargo, en 1993, y habiendo sufrido varios fracasos comerciales y críticos muy importantes, el artista se redime con un trabajo superlativo, insuperable, que le coloca sin esfuerzo aparente en la vanguardia de su oficio, y que rivaliza con los grandes logros de sus colegas de generación.

Comparativamente, Carlito’s Way (magnífico y sugestivo título, homónimo al de la novela que el juez puertorriqueño Edwin Torres escribiera en 1975, y que en España, con la habitual imaginación de esta tierra, retitularon Atrapado por su pasado…) significa al estilo “depalmiano” lo que Goodfellas al estilo “scorsesiano”: la cumbre de una abstracción, la depuración final de un discurso estético, moral y vital. En definitiva, ambos maestros no han podido, ni quizá podrán, llegar más lejos que con sendas sagas criminales de puertorriqueños, italianos e irlandeses que crecieron en el seno de un guetto marginal, y cuya única salida, cuya forma de vida, era convertirse en un miembro de la mafia, que no es más que un sistema anti-sistema.

Se pueden rastrear similitudes, homenajes e interferencias entre ambas cinematografías, pero sobre todo en ambos filmes. Carlito’s Way, por su parte, pasa por ser la más sobria y humilde de las grandes películas de De Palma, y al contrario que Goodfellas, más cínica y prosaica, discurren bajo las imágenes sórdidas y estilizadas de este intenso drama criminal un innegable hálito trágico y conmocionador.

A la manera de Carlito, que es lo que vendría a significar el título, no es otra cosa que la razón de ser de un personaje extraordinario, complejo e inolvidable (compuesto por un Pacino en registros muy superiores al del penoso papel que un año antes le consiguiera, por fin, el Oscar), y al mismo tiempo la causa de sus problemas. Él no va a cambiar, no puede. La razón de que siga vivo consiste en su carácter imperturbable, en su adhesión a unos códigos, a unas normas. El instinto viaja en dirección opuesta a su sensatez. Sabe que su forma de ver las cosas le va a llevar a un callejón sin salida, pero no puede reprimir el modo de actuar que le llevó a ser un narco tan poderoso.

¿Cuándo ha narrado De Palma algo tan emocionante? Seguramente nunca. Si William Munny es el eco de los personajes interpretados para Leone por Eastwood, Carlito Brigante es el heredero, la consecuencia madura de los personajes que Pacino interpretó para De Palma y otros: un superviviente cansado.

Pero difícil lo tiene Brigante con un abogado tan abyecto y manipulador como Kleinfeld (sublime, barroco, indescriptible Sean Penn), quien ejercerá de demonio tentador disfrazado de hermano, aún con la ayuda redentora de su antigua novia (nunca estuvo más guapa Penelope Ann Miller). Nos veremos inmersos en una espiral sin salida, ribeteada sin piedad por los zarpazos visuales y sonoros de De Palma, más efectivos que nunca.

Su gran cinematografía (obra de Stephen H. Burum) y su soberbio diseño de producción (firmado por el sin par Richard Sylbert) en una obra incontestablemente redonda e incuestionablemente maestra.

A cuadros me quedo con los vídeos e imágenes de la versión de Spirit que se trae entre manos Frank Miller. El último trailer está muy bien como clip musical hipervitaminado y supermoderno pero de ahí a la obra original de Will Eisner hay tanto como años separan el cómic de esta película.

Me resulta especialmente enervante que tal cosa venga de un autor de cómic que encima era amigo personal del gran Eisner. Recordemos la de veces que se ha quejado Miller del cuidado que hay que tener con este tipo de adaptaciones y cómo se lo puso de difícil a Rodriguez a la hora de empezar a rodar Sin City.

Recomiendo que relean esa obra maestra del pulp de los 40 que es The Spirit y dejen el visionado de la película para un domingo por la tarde, en DVD y en el que de verdad no tengan nada mejor que hacer.

Ante el inminente estreno en España de Wall•E, que, criticas previas provenientes de los Estates, viene a ser algo así como la segunda venida de Cristo, poco más o menos, los afables chicos de Rotten Tomatoes nos regalan un pequeño tour fotográfico por las instalaciones del centro neurálgico de la fábrica, esta vez sí, de sueños.

Parece que vivan en un parque de atracciones perpetuo. Malditos sean una y mil veces, pardiez.

Aquí, el tour. Y no de Francia.

Por otro lado, vía FOXnews, nos enteramos que ese prodigio de actriz que es Megan Fox, protagonista de Transformers, está teniendo que ganar peso para la segunda parte de esa joya de arte y ensayo. La chica dice que ya lo tenía que haber ganado para la primera parte, que a Michal Bay no le gustan las chicas huesudas, la edad da igual, pero delgadas no, y que es muy floja para esforzarse en comer bien. Claro. Comer: ese esfuerzo titánico.

Más perlas, muchas, para un rosario de los caros de esos de semana santa sevillana que llevan las señoras arrugadas, en su entrevista: un no parar de genialidades.

Finalmente, como no hay nada sagrado y hablamos de titanes, el clásico Clash of the Titans (“Furia de titanes”) va a ser ¿víctima? ¿objeto? de un remake a manos del francés de moda en Hollywood, Louis Leterrier, aquel que obvió a Ang Lee, copió a Greengrass, e hizo de Hulk 2 el protagonista de los sueños húmedos de los productores de Marvel Studios.

Vía Coming Soon, tenemos esta entrevista, en francés pero con subtítulos en el lenguaje de Shakespeare, donde habla de la cosa. Del proyecto, vamos. Recomiendo ansiolíticos para este viaje.

Muy pocos actores pueden mantener este ritmo delante de la cámara, de ahí el calificativo blasfemo (pero que queda tan bien en un título) de Dios a este actor que es una fuerza de la naturaleza. Debajo del video las líneas de diálogo que pronuncia, a ver quién es capaz de emularle. Vean, vean:

Son, we live in a world that has walls and those walls need to be guarded by men with guns. Who’s gonna do it? You? You, Lieutenant Weinberg? I have a greater responsibility than you can possibly fathom. You weep for Santiago and curse the Marines; you have that luxury. You have the luxury of not knowing what I know: that Santiago’s death, while tragic, probably saved lives and that my existence, while grotesque and incomprehensible to you, saves lives. You don’t want the truth because deep down in places you don’t talk about at parties you want me on that wall, you need me on that wall. We use words like honor, code, loyalty. We use then as the backbone of a life trying to defend something. You use them as a punchline. I have neither the time nor the inclination to explain myself to a man who rises and sleeps under the blanket of the very freedom I provide and then questions the manner in which I provide it. I would rather you just said “thank you,” and went on your way. Otherwise, I suggest that you pick up a weapon and stand a post. Either way, I don’t give a damn what you think you are entitled to.

Hace poco, un amigo me comentaba cuán harto estaba que casi todas las películas de animación que nos llegaban a los cines estuviesen protagonizadas sistemáticamente por adorables, y en gran parte de los casos coleccionables, animalillos convenientemente antropomorfizados.

Con Kung Fu Panda, Dreamworks en su división de animación vuelve a apostar fuerte por ello para reventar las taquillas del verano 2008. En este caso con la historia de Po, un panda gordo, flojo, y muy pero que muy friki que, de buenas a primeras, es elegido como el legendario guerrero del Dragón, y por tanto, el salvador del Valle de la Paz donde residen del malvado tigre de las nieves, Tai Lung.

No vamos a entrar en disertaciones sobre la elección de animales parlantes como protagonistas de las películas de animación por ordenador del estudio, puesto que al final sólo serían especulaciones sin ningún apoyo de declaraciones oficiales. No obstante es curioso destacar que el mismo estudio, en todas sus películas de animación tradicional sí que apostó por modelos humanos (El príncipe de Egipto, La Ruta hacia El Dorado, Sinbad) cuando en las de animación por ordenador son, con suerte, secundarios (HormigaZ, Shrek, El espantatiburones, Madagascar, Bee Movie, Vecinos Invasores…).

La historia de Kung Fu Panda no deja de ser un hilo conductor muy básico y fino del que colgar las cosas que realmente interesan, es decir, personajes ultramolones que te vienen en el Happy Meal, sucesiones de gags que sostengan el ritmo y alguna que otra enseñanza sobre valores esenciales para los pequeños de la casa (debo añadir, muy finamente orientalizadas a lo zen). Pero, no nos engañemos, demonios, yo he pagado para eso y justamente eso es lo que he obtenido. Técnicamente, Kung Fu Panda sienta un nuevo estándar para la compañía, eones lejos de animales de zoo y abejas, con un acabado de texturas extraordinario, una dirección artística depurada hasta la excelencia y una gestualidad de los personajes de quitarse el sombrero.

Y esa es la gran baza del panda rechoncho. Que te hace reír no por lo que diga, sino por las caras que pone, que lo dicen todo. Es tremendo. En algunos casos, casi chaplinesco, lo cual, en un entorno lleno de referencias a clásicos del género de las artes marciales, no choca sino complementa fantásticamente. En una historia sobre el destino, la confianza y, chiquipunto para el equipo de los guionistas, la decepción, que no deja de ser el motor de un villano medianamente carismático, algo sobre la media y con lo que darnos con un adoquín en los dientes, Po es un repertorio de recursos físicos. Mimos, miradas, movimientos imposibles de no-cejas, porque no las tiene, sus andares, la manera de encajar una y mil veces la sucesión de ostias como panes que recibe estoicamente… es un personaje que no te cansas de ver.

Visualmente la peli es una sobrada tras otra, para empezar, por los insertos hechos con animación tradicional (y un uso imposible del español en los diálogos, muy tremendo). La fluidez de las escenas de pelea, que lleva la cámara en un frenesí sin ataduras, la sucesión de bullet-times que se distribuyen fifty-fifty entre el lucimiento y la búsqueda de la risa, el diseño y coreografía de ciertos momentos, como la imposible lucha con los palillos chinos… Todo acompañado por Hans Zimmer y John Powell a panchas en la banda sonora. Perros viejos de la compañía y de este tipo de producciones, no realizan una obra maestra, que tampoco se requería, pero dotan al tema principal de Po la socarronería, un poco a lo Kill Bill, que el desenfadado tono de la cinta requería.

Neuronas fuera. Palomitas y refresco dentro. Kung Fu Panda da hora y media de diversión asegurada. Mínimo este verano. Muy posiblemente, sus secuelas, alguno que otro más.

PUNTUACIÓN: 6.75 / 10

LO MEJOR: Po.

LO PEOR: Es muy básica. Terriblemente básica.

EL MOMENTO: El terrible golpe del tornillo del dedo, ¡chacaflush!

Guillermo del Toro está de regreso, y no viene sólo. Trae a sus espaldas las excelentes actuaciones de un sólido casting liderado por Ron Perlman, trae la fotografía impresionante de Guillermo Navarro (hay que estar pendientes de este otro mexicano, pues su técnica va despuntando), trae la solidez de un guión construido con pasión, una narrativa que sólo puede tener el mejor cuenta-cuentos de la actualidad, trae de regreso también a mi músico favorito Danny Elfman , quien no tiene de otra más que reinventarse y nos presenta un soundtrack que rompe con sus claves burtonianas y rediseña el estilo musical tan pulido que le conocemos.

En pocas palabras, el ejército dorado no son los robots de la película, es toda la gente que trabajó en esta producción, si bien el personaje no se adaptará a todos los gustos y no gozará de una taquilla como la de The Dark Knight o no será tan popular como el IronMan de Downey Jr. La verdad es que esta es hasta ahora la cinta ‘live action’ mejor lograda del verano (a reserva de lo que pase cuando la secuela de Batman Begins al fin se estrene).

Hellboy II: The Golden Army es un ejercicio ya más de trámite que una revolución, es decir: desde El Laberinto del Fauno Del Toro está pulidísimo, y Hellboy no es material original si no ya un complejo trabajo creado por Mike Mignola, así que conociendo los personajes y trabajando codo a codo con el padre de estos, el trabajo de Guillermo es solamente imprimir en fotogramas ese mundo de fantasía. Pero a diferencia de lo que vimos en 300 o Sin City, por ejemplo, Del Toro no busca hacer la copia fiel, si no más bien llevar ese mundo de fantasía a sus propios sueños y pesadillas. Todas las criaturas tienen su sello personal, y nos lleva de la mano a un mundo de elfos y ogros que habitan en la tierra con nosotros, algo así como Hellboy meets Harry Potter (sería un buen ‘crossover’).

La película cuenta con las excelentes actuaciones del casting original menos uno, el agente John Myers, interpretado por Rupert Evans, a quien supuestamente Rojo manda a la Antártida. Selma Blair está más segura en los zapatos de Liz Sherman y los príncipes elfos interpretados por Anna Walton y Luke Goss son memorables.

Lo que hace de esta secuela algo muy especial son dos elementos: (SPOILER) la creciente amenaza de ver a Hellboy convertido en el ejecutor del Apocalipsis Terrenal (fin de SPOILER), y que esta historia es como un cuento de hadas relatado dentro de una compleja obra de ficción, el cuento dentro del cuento. de hecho la secuencia inicial con el relato de la leyenda debería servir como cinta en sí mismo, una unidad completa y un cortometraje animado de 10.

Como todos sabemos, la mayoría de los actores que ahora son grandes estrellas, muchas veces han tenido que aceptar casi cualquier cosa, o directamente cualquier estupidez de papel, con tal de que siguieran llamándoles y, quizá en un futuro, llegar a ser alguien. A fin de cuentas no todos hemos nacido con padrino, y hay gente que tiene padrino y tampoco llega a ningún lado durante mucho tiempo.

Que se lo digan a George Clooney, que ahora puede ser respetado (de hecho, es un buen actor dramático y un excelente actor de comedia), sobrino de la muy famosa (en U.S., aquí no tanto), Rosemary Clooney, ya fallecida, que durante una época fue la gran cantante americana pop, y es primo de Miguel Ferrer, al que hemos visto en unos cuantos papeles; pero lo cierto es que durante muchos años parecía que este hombre no se iba a comer un colín, ahí donde le veis ahora.

Fue ascendiendo muuuy lentamente en series de Tv de cuarta categoría, apareciendo en secuelas de películas nefastas, como la muy revisitada (ahora, claro) Return of the Killer Tomatoes!, y dejándose ver en series famosas, donde duraba pocos episodios, como Roseanne. En la década de los 90 no pudo empezar peor: perdió el papel que interpretaría Brad Pitt en Thelma & Louise y empezó a desesperarse. Sólo así se explica que después de tanto esfuerzo apareciera de esta pinta, aunque durante 10 seg, en la olvidada y archivada The Harvest…¡Sólo un año antes de la mitica E/R que le lanzaría a la fama!

Actores del mundo, no desesperéis.