Haciendo memoria, de entre los miles de blockbuster que se han ido estrenando desde que se inventó el maldito término, y de entre los cientos de adaptaciones de cómics con los que los ejecutivos de Hollywood (esos que van con corbata, ganan 100.000 $ al mes y no han visto una película europea o asiática ni de casualidad) nos martillean año a año, no se me ocurre nada peor que lo que hicieron con Spawn.

He de reconocer que en su momento, primeros años 90, me enganchó el cómic en cuestión, una fantasía de Todd McFarlane, que es (o era) un dibujante brillante pero con unas ínfulas terribles, y un guionista bastante mejor de lo que le concedían. Spawn fue un superventas en toda regla, y era de esperar que acabaran haciendo una película, que yo (tenía menos de 17 años, entiéndanme, por favor…) esperaba que saliera bien.

Resulta que Al Simmons, soldado de las fuerzas especiales, un asesino de la Inteligencia Norteamericana, la palma y el diablo ‘in person’ le elige como uno de los capitanes de las fuerzas infernales que deben enfrentarse a las fuerzas celestiales, un Spawn, o engendro infernal. Al Simmons es una especie de muerto viviente con unos poderes alucinantes. Lo malo es que cuanto más los use (intentando de alguna forma redimir su alma…) más se gastan y más se acerca a su segunda muerte.

El cómic es más vistoso imposible, en plena generación post-marvel (aquí sello Image), y de un colorido y una espectacularidad que garantizó su exitazo. No era tan difícil hacer una película que contara esta aventura de forma correcta, minimamente digna y divertida. Pues nada, no hay manera.

Dirigida por un tal Mark A. Z. Dippé (¿a que tiene nombre de gran director de cine?…), que se labró gran reputación como supervisor de efectos visuales de varias películas (como algunas de James Cameron), Spawn es un ejemplo de todo lo que no se debe hacer en una película de fantasía y aventuras. Esto es: pésima dirección de actores, ritmo inexistente, un guión pobre de ideas que copia lo que no debe e inventa cuando debe copiar, uso y abuso de efectos especiales, tratamiento de los personajes en plan ‘sabemos que sólo la verán adolescentes’. Y un largo etc.

Ya. La secuencia de la transformación de Violator mola mucho (también porque ese morphing, con luz nocturna y lluvia era facilito), pero no justifica el engendro. Y mucho menos futuros engendros, pues siempre se rumorea que habrá secuelas

Catástrofes como esta son las que le destrozan a uno su adolescencia cinéfila. Aunque, mejor pensado, también le despiertan a uno y le advierten que no todos los que se dedican a eso del cine son gente que sepa hacer cine. Ni siquiera son gente a las que les guste el cine.

Quizá todo esto venga de que no dejan de anunciar Iron Man por la tele. Seguro que puedo pasar sin ir a verla. Ya me han engañado demasiadas veces…

Para satisfacer a algunos lectores que querian más imágenes de lo que se viene en cuanto a la película de Street Fighter les traigo una nueva captura del Storyboard.

En esta se ve una secuencia de trancazos en la que esta involucrado Balrog, el boxeador venido qa menos interpretado por Michael Clarke Duncan.

También puedes ver acá una primer imagen de GEN.

Si no mal recuerdo en la historia original del juego Balrog es una especie de guardaespaldas de Chun Li ¿Estoy en lo cierto?

DISNEY estará lanzando un nuevo sello dentro de su casa productora, el nombre es Disney Nature, cuya finalidad es producir documentales sobre la naturaleza, esto de la mano con documentalistas experimentados y con una larga carrera en el medio.

En el tono de salvar al planeta y volvernos más conscientes de los graves problemas creados por el calentamiento global, la contaminación, guerras y demás, Disney nos acerca de nuevo a la naturaleza, algo que en mi opinión saben hacer bastante bien.

Según el comunicado de prensa enviado a medios por Disney:

“En la senda de la tradición iniciada por el propio Walt Disney, Disneynature ofrecerá un espectacular entretenimiento sobre el mundo en el que vivimos. La significación del nuevo sello va más allá del Estudio, ya que The Walt Disney Company emprenderá esta iniciativa a través de varios de sus negocios, como publicaciones, licencias, parques y extensión educativa. El veterano de Disney Jean-Francois Camilleri, quien se desempeñó como vicepresidente senior y gerente general de Walt Disney Studios Motion Pictures de Francia encabezará esta nueva unidad. Disneynature tendrá su base en Francia, donde Camilleri y su equipo supervisarán la iniciación, desarrollo y adquisición de proyectos de realizaciones de alta calidad.

Entre los primeros filmes que se estrenarán en los Estados Unidos bajo el nuevo sello se encuentra Earth, del premiado productor / director británico Alastair Fothergill, quien cuenta entre sus créditos con la serie Planet Earth de la BBC y el Discovery Channel, y The Blue Planet. Earth, producida por BBC Worldwide y Greenlight Media y co-dirigida por Mark Linfield, nos guiará en un recorrido por nuestro planeta como nunca antes lo hemos visto. El narrador del film será el conocido actor James Earl Jones y el estreno en salas será el 22 de abril de 2009, Día Mundial de la Tierra. El film también será estrenado en Latinoamérica bajo el sello Disneynature.”

A ver si nos tocan algunos de estos documentales en cine y no se van directamente a video.

El año en que el ejército norteamericano (junto con divisiones británicas y canadienses, que nadie se acuerda nunca de ellas…) tomaba las playas de Normandía, Billy Wilder por fin dirigía una película casi perfecta, y que sería recordada, décadas más tarde, como un clásico irrepetible del cine negro, icono del mismo. Un filme que muchos realizadores sueñan con lograr en la plenitud de su carrera. Wilder lo logró a los 38 años. Hablamos, por supuesto, de Double Indemnity.

Detalles como la tobillera de Barbara Stanwyck, que la dotaba de un erotismo del que esta gran actriz carecía, hacen difícil un comentario sosegado y profundo de este intensísimo y brillantísimo drama. Un relato de una turbiedad que es difícil imaginar el impacto que hubo de tener en su época (constituyendo el primer gran éxito de una larga serie de éxitos en la carrera de su director). Stanwyck, arpía manipuladora como no hubo otra, Fred MacMurray y Edward G. Robinson dan cuerpo a un heterogéneo trío que funciona con singular perfección.

Fotografiada de manera sublime por el insigne operador John F. Seitz, que ya había trabajado con Wilder en su anterior Five graves to Cairo y que aún trabajaría con él en The lost weekend y en Sunset Blvd., el abanico de variedades de luz en interiores es algo indescriptible y que otorga una paleta de profundidad y estilizamiento impagables a este relato. La música de Miklós Rózsa hace el resto.

El título, por supuesto, alude al objetivo económico de los dos amantes y al crimen que estarán dispuestos a perpetrar para lograrlo. Coescrita por el gran Raymond Chandler, uno de los más grandes escritores del siglo XX (creador del inolvidable Philip Marlowe), el guión es una bomba de relojería, con algunos de los mejores diálogos de la historia del cine.

He de admitir que me parece una película impresionante, pero tan perfecta, tan fría, que no llega a emocionarme como posteriores obras maestras de Wilder. Double Indemnity es la película de un director absoluto, que a su tercer intento en solitario dominaba perfectamente el medio. Pero aún tenía que saber quién era. Aún debía superarse siendo el Wilder de finales de los 50 y primeros 60.

Para quien no lo sepa, Connor Cruise es hijo adoptivo de Nicole Kidman y Tom Cruise. Dicho esto, la noticia viene porque el joven de 13 años ya prepara su primera interpretación. La oportunidad se la brinda Columbia Pictures en el proyecto Seven Pounds.

Está claro que no se trata de una gran sorpresa, ya que como es de imaginar, Connor se ha criado en sets de rodaje, aquí y allá, acompañando a mamá Kidman y a papá Cruise. Pero que nadie crea que ha sido por enchufe directo, el chico se ha ganado el papel asistiendo a una audición, como todos los demás… o al menos, eso quieren hacernos creer los productores.

La película, protagonizada por Will Smith, Woody Harrelson y Rosario Dawson entre otros, contará la historia de un extraño que cambiará la vida de siete personas. Dirigida por Grabiele Muccino, parece una producción interesante.

Enlace: Connor Cruise Is Making His Big Screen Debut

Una cinta de esas que no tienen mucha publicidad pero que están bien elaboradas y que gozan de esa magia de hacerse de fanático s con jalada y acción sin mucho sentido es Crank, y pues la magia en las ganancias se traduce ya en la secuela cuyo cast será:

• Jason Statham
• Amy Smart
• Dwight Yoakam
• Efren Ramirez
• Clifton Collins Jr.
• Bai Ling

Crank 2 aun no tiene fecha de estreno, pero lo que si se sabe es que la secuela iniciará segundos apenas después del punto en que termino la primera.

El director planea innovar con un nuevo tipo de cámara que seguirá la acción de las balas, un bullet time recargado y rennovado, ¿que tan original podrá ser un nuevo sitema de cámaras en este aspecto?

Creo que prefiero regresar a la vieja escuela en donde todo se ve en tiempo real.

Como bien anunció Alfonso, el título de la nueva película de Expediente X será I Want to Believe (traducción: quiero creer). Pero lo que no explicó realmente fue la importancia, la gracia, el porqué de este título.

Si erais seguidores de la serie, lo que os voy a decir ya lo sabréis, no obstante intentaré comentarlo para todos los demás. I Want to Believe es una frase bien conocida en la serie porque era el eslogan del póster que tenía el agente Fox Mulder (interpretado por David Duchovny) en la pared del sótano, que usaban él y Dana Scully (Gillian Anderson) como oficina. En palabras del propio Chris Carter (director, que también ha participado en el guión, de esta entrega):

Es un título natural, se trata de una historia que muestra las dificultades para compaginar fe y ciencia. ‘Quiero creer’ demuestra la lucha de Mulder y su fe

Finalmente, el director confiesa que tenían pensado ponerle este título desde un principio. Pero que han tardado tanto en darlo a conocer por la inseguridad de los productores.

Enlace de la imagen: Mago Kiwi Tropical Swirl

Mientras toda nuestra atención se centra en los nuevos posters que van a apareciendo de The Spirit, esa novela gráfica de Will Eisner que adapta Frank Miller, éste no está ni mucho menos parado.

Habíamos leído rumores de la adaptación de Ronin, otro cómic de este polifacético autor. Pero ahora, cuando todavía desconocemos la implicación de Miller en ese proyecto, ya nos están diciendo que de lo que realmente tiene ganas Frank, es de dirigir (le ha cogido gustito, como admite en unas declaraciones que os pego más abajo) la adaptación de Hard Boiled, que en un principio iba a ser llevada a la gran pantalla por David Fincher . En palabras del propio artista:

Estoy enamorado de la dirección. He encontrado un modo de expandir mi carrera. Los cómics y la dirección son realmente dos lados de una misma moneda. Eso es lo que Robert Rodríguez me dijo… el buen drama es buen drama.

Hard Boiled consiste en tres mini series que se publicaron en 1990 por Dark Horse Comics. De ella, dicen que una de las novelas gráficas más violentas jamás creadas. Veremos cómo les sale la película.

Enlace: Frank Miller Wants to Direct Hard Boiled Himself

Resulta que leo en varios medios que las descargas del anterior cortometraje de Guillermo Zapata, Lo que tú quieras oír, superan los 60 millones. Que sólo le superan no sé qué clip de Avril Lavigne, y alguna otra cosa. Pero esa no es la razón de que quiera hacer mi primera crítica de un cortometraje en mucho tiempo.

Conozco a Guillermo Zapata. Más bien le conocí en el instituto. Allí era una especia de líder ‘progre’ cultureta, con más labia que talento, en plan ‘estoy flipado de ser yo mismo’. Me cayó más o menos bien, pero tampoco es la razón por la que quiera comentar éste cortometraje. Yo mismo participé en alguno de sus pseudo-cortos, hace millones de años.

Los ignorantes incurables de blogdecine.com son amiguillos del Zapata, y han publicado, a bombo y platillo, su nuevo corto en plan gran estreno. A ellos les ha gustado mucho, al parecer. No han puesto su corto para seguir ganando lectores (recuerden, 60 millones de descargas…) lo han puesto por pura amistad.

El cine español tiene un universo, digamos, oficial, compuesto por los miles de actores, directores y demás profesionales (o algo así); y luego tiene un submundo repleto de culturetas, progres, trepas, locuelos del cine, friquis (cómo odio esa palabra, sólo escribiéndola me castañetean los dientes), guionistas de medio pelo que por participar en series mediocres se creen que saben algo, aspirantes a estrellitas, alelaos, alguno que otro con talento, gente trabajadora que no sabe qué hacer para que le llamen, y un larguísimo etc.

Ambos mundos se rigen por una misma regla: no importa el talento que tengas, lo inteligente o sensible que seas, lo que sepas de arte o tu mérito personal. Lo que importa es que tengas un padrino y/o que seas un listo. Es una de las principales razones por las que tenemos el cine español que tenemos: una cosita amorfa que a nadie le importa y que año tras año se hunde en el más absoluto del tedio y del olvido. Ahí quiere entrar, sin duda, y con una sonrisa enorme, Guillermo Zapata, con su nuevo título: Y todo va bien.

Vamos al asunto, y prometo que soy lo más profesional posible, aunque el engendro no lo merece.

Negación del cine

Y todo va bien se inscribe dentro del género de la comedia costumbrista, subgénero español modernete. Esto es: chicos, chicas, sexo, poco mundo, personalidad 0. Cuenta la historia de dos personajes que tienen una relación sexual por internet. La relación es bastante fría, por lo que no se comprende cómo puede ser algo importante. Él es un oficinista amargao, que no encuentra sentido a su gris vida. Ella es una chica guay, estupenda y algo melancólica, que tiene novio, pero tiene ganas de conocer a más gente…

Cuando se conocen, uno se pregunta por qué acaban en la cama, porque no existe nada, absolutamente nada, de chispa. Ella es mona, bastante, y él es un tipo más anodino imposible. Cuando por fin se conocen, surge la consabida y previsible decepción. Pero un sabor a decepción se tiene desde el primer plano, en el que observamos al protagonista hacerse una patética paja delante de un ordenador. Aunque ahora estoy recordando el glorioso primer plano de otro corto de Zapata con él mismo cagando y hablándole a la cámara.

¿Intertextualidad o sinceridad brutal?

Este relato intenta ser una especie de retrato de la juventud española actual, hablando un poco de las relaciones interpersonales, de la vida laboral, de los problemas de los jóvenes, etc. Y lo hace con una escasez de ingenio apabullante. Zapata, que es guionista en Hospital Central y no sé si en alguna serie más, demuestra, al menos aquí, ser un escritor sin la menor gracia, con unos diálogos que carecen de la mínima intensidad dramática.

El viaje emocional es cortísimo, casi inexistente, y su aceleración a un territorio de más puro melodrama cae en el ridículo. Sin duda los temas y tonos que persigue el director se hubieran desarrollado mejor en un largometraje, pero ya este corto se hace larguísimo. La historia, los personajes, son dignos de un niño que no conoce nada del sexo ni del amor, en plena estirpe de Fernando Esteso y Andrés Pajares. Pero no sólo desconoce todo sobre las relaciones y el amor, desconoce absolutamente todo de dirigir.

Y es que la forma de filmar de Zapata, siempre con planos fijos, sin el menor gusto por encuadres interesantes, convierte en audaz a la filmografía de Jose Luis Garci. Eso de la profundidad de campo, con los personajes siempre hablando en perfil, o hacia la cámara, es un concepto que el director parece no conocer. La fotografía, de un tal Charly Planell, es espantosa: es como un vídeo casero grabado con algo más de tiempo, con quemados brutales, ningún tratamiento del color, ninguna fuerza dramática.

Pero es que no hay ni un solo valor narrativo/estético, nada de nada. Ni siqueira el mérito de intentar algo. Y los actores cumplen sin pasión, sin destacar, totalmente desganados en un conjunto muy pobre.

Tampoco es que el montaje de Manuela Díaz sea el colmo, porque la puesta en escena de Zapata no da para mucho más que para pegar planos, negando también la fuerza narrativa de esa disciplina. Las mezclas de sonido terminan por desesperar a uno cuando averigua que el cortometraje en cuestión ha costado la friolera de 40.000 euros.

Conclusión:

Pero lejos se llega cuando tienes contactos, morro y ninguna verguenza para ofrecer al mundo tus pajas mentales, aunque sólo sea para el que suscribe se confirme en su idea de que si esto es el futuro del cine español verdes las van a segar, y de que si en la ECAM, supuesto faro del cine español, filman guiones parecidos con algo más de gracia y presupuesto, pues un aficionadillo como Zapata también puede hacerlo y codearse con ellos.

Porque ahora ser director de cine es que te hagan millones de descargas en internet. ¿Acaso ser un buen crítico no es que le dejen a uno 46 comentarios por post? Pues eso.