La tecnología en la pantalla se ha convertido en un fin en sí misma que prima sobre el contenido, mientras desprecia otros valores

No se trata de negar los adelantos tecnológicos pues muchos de ellos han proporcionado progresos notables pero estas técnicas no tienen que llegar a ser el fin, acapararlo todo en detrimento de los contenidos, de lo que se quiere contar, de la propia historia.

Son palabras del veterano director francés Bertrand Tavernier analizando de forma contundente la actual situación del cine espectáculo en el foro que imparte esta semana en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo.

Y es que el cambio de siglo ha supuesto un cambio radical en la concepción visual del cine. No me refiero a que automáticamente todo el mundo se volviera loco con el cambio de milenio sino que existe un claro antes y después del estreno de Matrix en 1999.

Los hermanos Wachowski adaptaron al cine de forma eficaz los lenguajes de la publicidad, el cómic, los videojuegos y los clips musicales. No fueron los primeros (fue en los 70 cuando aparecieron Ridley Scott, Alan Parker y demás directores provenientes del mundo publicitario) pero sí los que más hondo han calado en las jóvenes generaciones de cineastas y espectadores.

Haced un experimento, poned cualquier película de acción, aventuras o ciencia ficción anterior al estreno de Matrix y comparad el tempo con el de cualquier película del mismo género estrenada a partir del año 2000. Casi sin excepción, aquellas os parecerán más lentas que las actuales.

El número de planos por minuto se ha multiplicado de forma alarmante, los bruscos acelerones y desacelerones de las tomas se repiten más que el ajo, los giros de 360 grados alrededor del protagonista aparecen una y otra vez sin venir a cuento,etc,etc,etc.

Matrix es un claro ejemplo de influencia mal entendida. Los demás cineastas, en lugar de profundizar en los hallazgos visuales de última generación, se han limitado a repetirlos sin más aunque no exista una justificación argumental. Es curioso como en los trailers actuales toda esta serie de efectos se reproducen en el par de minutos que duran aunque sean creados de forma artificial y luego no aparezcan realmente en la película. Recuerdo ahora mismo el trailer de Memorias de una Gehisa, que mostraba lo que parecía una película de acción en lugar de un drama.

El actual lenguaje audiovisual ha impuesto una dictadura en el cine de género. El público joven menos exigente rechaza actualmente de plano cualquier cosa que no esté plagada de efectos digitales y un apabullante montaje. Este hecho impide la posibilidad de adquirir con el tiempo una sólida cultura cinematográfica porque este público percibirá como aburrida cualquier película actual que no siga estos parámetros, negando su acceso por tanto a cualquier ejemplo anterior al 2000, y no digamos ya cine en blanco y negro o mudo.

Hablo con total conocimiento de causa. Durante cuatro años impartí un taller de cine que consistía en utilizar este tipo de cultura audiovisual a mi favor para conducir a los jóvenes alumnos a una cultura cinematográfica más vasta y rica. Fueron años de descubrimientos continuos y de inolvidables experiencias. ¿Y cómo se me ocurrió utilizar esta metodología? la clave está en la respuesta de un alumno de instituto a una pregunta de un test que realicé sobre gustos cinematográficos. La pregunta era algo así: ‘¿Has visto algo de cine clásico?’ a lo que el chaval respondió: ‘Si, Braveheart’.

Vía: ‘Las nuevas generaciones deben saber que ver cine en blanco y negro no es algo pasado de moda’

Enlace: el diario montanes

“No me considero una estrella, sólo soy un cabrón afortunado”.

Que no lo digo yo, no se me tiren a la yugular. El Bale parece un tío muy majo y, a parte, un gran actor. Está bien en todas las películas a las que presta su rostro, y promete una gran película con este segundo Batman de Christopher Nolan, para la que se han agotado todas las entradas por Internet para su estreno del 18 de julio.

Enlace: El caballero oscuro’ agota en Internet las entradas para el estreno en EE UU, el 18 de julio

El otro día pusimos un capítulo, con una majestuosa narración, de una de las obras de arte capitales de éste nuevo siglo. Aquél era magnífico, los que hoy publicamos son una obra colosal, épica, enmudecedora, asombrosa de aventuras, acción, nobleza, ritmo, nervio y fuerza expresiva sin igual.

No me alcanzan las palabras. Denle al clic y serán felices:

Lo que los grandes estudios no saben es que en el fondo soy un cineasta chapucero

No, no me lo invento. Lo dice Francis Ford Coppola, el más grande director vivo, en los excepcionales comentarios del director de la nueva edición de Bram Stoker’s Drácula que salió hace pocos meses a la venta.

Y sí, tenéis razón si lo estáis pensando: suena a falsa modestia. O puede que no, porque dicen que el cineasta es un tipo bastante inseguro al que no le gusta pensar que es un genio, ni que le veneren. Aunque en el fondo no importa, tratándose del director de El Padrino, que seguramente a estas alturas sea ya la Suprema Obra Maestra del Cine Norteamericano.

Enlace: Edición Especial de Bram Stoker’s Dracula - Vía: ZonaDvd

Después de saber que tanto Lost Highway como Brokeback Mountain iban a convertirse en óperas, ahora sabemos que también una de las más completas películas de David Cronenberg va a representarse en ese formato, adaptada por él mismo.

Musicalmente, la representación correrá a cargo de Howard Shore, autor de la música de la película, y la dirección de la orquesta al de Plácido Domingo.

Recordemos que la película de Cronenberg ya era un remake del filme original de 1958 dirigido por Kurt Neumann, que era estupendo. Esto no fue óbice para que Cronenberg firmase un gran trabajo, en la que puede considerarse una película de Sci-Fi ejemplar y memorable, que aúna lo mejor de Cronenberg para aterrorizarnos con un gran guión suyo y de Charles Edward Pogue.

Enlace: David Cronenberg convierte ‘La Mosca’ en una ópera

Todavía resuenan los ecos de la huelga de guionistas, con más de 2000 millones de dólares de pérdidas para la industria, cuando empieza a verse en el horizonte la cada vez más inevitable huelga de actores.

Hollywood empieza a acelerar los rodajes en curso y a retrasar los rodajes pendientes, mientras, los actores se hallan divididos. Por un lado pesos pesados como Hanks, Clooney y DeNiro se posicionan en contra, por otro, Nicholson, Stiller, Mortensen o Nolte apoyan la huelga.

Pensarán ustedes que con el caché que suelen tener los arriba mencionados a qué viene una huelga. La respuesta está en que los nombres citados pertenecen a una élite del 6% de afiliados que trabaja de forma regular.

En los años 40 el sistema de los estudios tenía fuertemente atadas a sus estrellas. Cada uno disponía de su plantilla y hacía y deshacía como le venía en gana. Es con la integración en la industria de los sindicatos cuando empiezan a surgir las tiranteces y la exigencia de mejoras y derechos. Cuando más tarde aparece la figura del representante es cuando florecen los contratos millonarios que todavía hoy conocemos.

Será presumiblemente en julio el momento en el que todo estalle o se quede en agua de borrajas. A lo mejor la escasez de cine norteamericano hace descubrir a más de uno un cine más rico y diferente fuera de la hegemonía dictatorial que ejercen en las salas de todo el mundo las producciones de Hollywood.

Vía: Hollywood entra en crisis ante el temor a una huelga de actores

Enlace: El País

Escribo esto a las 20:45 hora española. Uno se asoma ahora mismo a la calle y parece que está viendo aquella escena de Abre los ojos en la que no había un alma en la Gran Vía de Madrid, o mejor, el comienzo de 28 días después, con aquel Londres desierto. España, después de 44 años, llega de nuevo a la final de la Eurocopa y acaba de empezar el partido.

¿Y que tiene esto que ver con el cine? pues que la hazaña de la, como les ha dado por llamar, Armada Invencible (¿es que nadie se acuerda de cómo terminó dicha armada?) ha dejado vacíos los cines y cualquier otro tipo de evento. Desde la Federación de Cines de España se ha declarado que las salas permanecerán abiertas, aunque sólo tengan un espectador.

Por otro lado los organizadores del festival erótico de Barcelona (que se celebra ahora en Madrid, sic) echan la culpa del fracaso de espectadores que ha cosechado el festival al éxito de la selección. Otro damnificado parece ser Nacho Vigalondo con sus cronocrímenes, en lo que parece ser el guión de uno de sus cortos: Dos años intentando estrenar su película y lo hace el fin de semana de la final de la Eurocopa con un España/Alemania. Para tirarse de la torre más alta, vaya.

A mi no me gusta el fútbol pero me tira tan importante evento así que posiblemente lo vea despatarrado en el sofá con una buena cantidad de cerveza a mano, como mandan los cánones. A los que estén fuera de casa, que vuelvan rápidamente a sus hogares antes de que termine el partido, que ya saben lo que pasa, que las calles se llenan de hordas de zombies descontrolados (o de hinchas borrachos, que viene a ser lo mismo).

Enlaces:

Eurocopa. las salas de cine abrirÁn a la hora del partido, “aunque sÓlo haya un espectador”

Exito de selección de España quita público a festival de cine erótico

Tanta espera para estrenar y España llega a la final de la Eurocopa

Escribo esto el domingo a las 20:45 hora española. Uno se asoma ahora mismo a la calle y parece que está viendo el comienzo de 28 días después con aquel Londres desierto, o mejor aún, aquella escena de Abre los ojos en la que no había un alma en la Gran Vía de Madrid. España, después de 44 años, tiene de nuevo la posibilidad de ganar la final de la Eurocopa y acaba de empezar el partido.

¿Y que tiene esto que ver con el cine? pues que la hazaña de la, como les ha dado por llamar, Armada Invencible (¿es que nadie se acuerda de cómo acabaron aquellos barcos?) ha dejado vacíos los cines y cualquier otro tipo de evento. Desde la Federación de Cines de España se ha declarado que las salas permanecerán abiertas, aunque sólo tengan un espectador.

Por otro lado los organizadores del festival erótico de Barcelona (que se celebra ahora en Madrid, sic) echan la culpa del fracaso de espectadores que ha cosechado el festival al éxito de la selección. Otro damnificado parece ser Nacho Vigalondo con sus cronocrímenes, en lo que parece ser el guión de uno de sus cortos: Dos años intentando estrenar su película y lo hace el fin de semana de la final de la Eurocopa con un España/Alemania. Para tirarse de la torre más alta, vaya.

A mi no me gusta el fútbol pero me tira tan importante evento así que posiblemente lo vea despatarrado en el sofá con una buena cantidad de cerveza a mano, como mandan los cánones. A los que estén fuera de casa, que vuelvan rápidamente a sus hogares antes de que termine el partido, que ya saben lo que pasa, que las calles se llenan de hordas de zombies descontrolados (o de hinchas borrachos, que viene a ser lo mismo).

ACTUALIZADO 22:30 ¡¡¡SOY EL REY DEL MUUUUUUUNDOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO!!!

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Eurocopa. las salas de cine abrirÁn a la hora del partido, “aunque sÓlo haya un espectador”

Exito de selección de España quita público a festival de cine erótico

Tanta espera para estrenar y España llega a la final de la Eurocopa

Bien, ayer terminó el 16ª Festival de Cine Erótico de Barcelona, celebrado este año en Madrid por primera vez, y que ha comprendido los días 26, 27 y 28 de Junio. Por razones de logística, EXTRACINE sólo ha podido estar presente en la última jornada, aunque viendo lo que había, en una sola jornada se podía ver todo lo necesario para constatar la absoluta falta de creatividad, el terrible machismo, la carencia de ideas, el caos organizativo, la desidia de la organización, la imposibilidad para asistir a los eventos, la anemia vital de una industria anquilosada y un largo etc…

Dicen que éste el Festival de éstas características más importante del mundo. Pero lo cierto es que no es un Festival de Cine Erotico, como reza su nombre, sino un Festival Erótico sin más, al que al parecer acuden algunas estrellas nacionales e internacionales. El recinto, que copó la sala Fabrik de Fuenlabrada, daba para mucho más, si hubieran sabido hacerlo. A continuación adjunto el mapa y paso a comentar cómo estaba organizado cada área.

Fue divertido intentar encontrar una sala a la que nunca había ido previamente y que está bastante lejos de mi casa. Sobre todo porque los habitantes de Fuenlabrada a los que preguntaba, sin excepción, no sabían o bien qué autobús llevaba hasta allí o bien de qué diablos les estaba hablando. Bajo un sol de justicia “aterricé” en la sala Fabrik y lo cierto es que en cuanto entré empecé a olerme la tostada.

La zona más grande, y también la más desaprovechada, era la que se abría al visitante nada más entrar, la PARTY ZONE. Todo bien oscuro, la ZONA FIESTA en castellano consistía únicamente en un escenario y varias pantallas suspendidas a los lados del mismo. Más oscuro imposible, y cuyos focos sobre el escenario eran bien débiles.

A la derecha del escenario se abría un pasillo que luego giraba a la izquierda de modo que rodeaba la PARTY ZONE en dos de sus tres caras. En éste pasillo se disponían tiendas de objetos sexuales, revistas, juegos eróticos, vestuario, etc. En las paredes una serie de fotografías eróticas ciertamente muy interesantes, aunque escasas. Hasta aquí la primera parte del recinto.

Las otras dos eran la ARTIST ZONE y la HARD ZONE, a cada cual más decepcionante. La primera era al aire libre, y la verdad es que era agradable pasearse por allí, si bien las actividades adolecian de un caos organizativo clamoroso. Gozaba de dos carpas gemelas, el TERRITORIO CANALLA y el ESCENARIO PORNSTARS, que son los dos hexágonos que pueden apreciarse en el mapa. El resto eran stands de diversas productoras porno, que casi siempre estaban vacíos o llenos a rebosar de gente bebiendo y riendo que no hacían ni puto caso a nadie.

Pero la gota que colmaba el vaso era la HARD ZONE, que era una discoteca con camareras del Club Social cercano, y cuyas bailarinas y strippers eran algunas conocidas Pornstars. Y uno se sentia allí, literalmente, y quizá de forma intencionada, en un burdel. Yo creo que habría que diferenciar entre estrella del porno y prostituta, siendo ambos oficios totalmente respetables, pero al parecer es lo mismo para los productores de esta industria tan machista y conservadora.

Bien, vamos al asunto. La industria del porno padece de una falta de talento abrumadora. Para ellos, un buen actor porno es aquel al que se le pone dura en el momento preciso, y que le da caña a la actriz de la forma deseada. Nada más. Lo cierto es que el cine erótico o pornográfico persigue únicamente poner cachondo al personal, para luego ofenderse cuando les advertimos que estéticamente es una basura, que su falta de buen gusto es tremebunda, que sus argumentos rozan o directamente ingresan en el encefalograma plano, que su machismo es denigrante e intolerable.

Cuando en los años 70 el cine porno alcanzó su cénit (veánse la obra maestra Boogie Nights para ilustrarse) es cierto que su altura estética no pasaba más allá de una película de Chuck Norris, pero aquellas películas le ponían a uno de verdad. El cine porno actual, sin embargo, no le pone a nadie, es una colección de bravuconadas, estupideces y exageraciones. Que siga facturando lo que factura al año en el mundo es terrible, pero es que la gente necesita válvulas de escape sexuales, y al parecer le vale cualquier cosa, y ésta gente lo sabe. Yo creo que se podría hacer un gran cine erótico, pero para eso habría que currárselo y no ir a la ganancia fácil.

Todos los shows a los que asistí fueron idénticos, con una nena recauchutada, más o menos sexy (generalmente poco sexy), que subía a alguien al escenario y le calentaba un rato. Al menos en el escenario principal o en la SALA PORNSTARS se veía algo. Porque hubo también espectáculos en stands, pero como había tantísima gente y el espacio era tan reducido, pues era muy difícil para la mayoría ver nada. En el Exposex de hace dos años, con un recinto más pequeño, pude ver presentaciones de futuras estrellas, monográficos y algunas cosas interesantes mucho mejor que aquí.

Para colmo, tanto en la SALA PORNOSTARS como en TERRITORIO CANALLA hacía un calor insufrible, y no necesariamente porque hubiera algún show o mucha gente dentro. Lo más divertido del día fue una especie de mesa redonda (improvisada, como no), pues Eva Roy presentaba su nueva publicación acerca del sexo, y a la que se unió Nacho Vidal, por lo que hubo una conversación divertida y sorprendente. Además los presentes pudimos hacer preguntas a los protagonistas. Me quedé con las ganas de preguntar si Vidal realmente piensa que para ser buen actor porno sólo basta conque se te ponga dura en rodaje…

Pero es que era imposible enterarse de los sucesivos eventos. Las pantallas gigantes de la PARTY ZONE ofrecían una réplica de la pequeña pantalla donde intentábamos ver los horarios, pero se veía fatal y lo pasaban todo muy rápido. Además, luego resulta que gran parte de las cosas que anunciaban eran falsas, por lo que estaba uno a la expectativa de cambios continuos. Era tal desastre que uno no sabía ni dónde se extendían los tickets del bar, y al final me ví a mí mismo indicando a varios despistados dónde podían comprarlos para saciar la sed que provocaba la falta de aire acondicionado.

Se podrían haber organizado miles de cosas más interesantes que las que había: monográficos genéricos en cada zona, retrospectivas, salas para visionados. Pero esto no era un festival de cine serio. Ésto era una caja registradora de autobombo disfrazada de evento cultural. Por razones ajenas a EXTRACINE no pudimos conseguir pase de prensa…casi mejor, pues me hubiera visto obligado a asistir a las tres jornadas y habría terminado más que harto.

Lo mejor del festival…el cartel.

Cuando ésta película se estrenó en 1982, tanto la crítica como el público fueron unánimes: era un filme confuso, oscuro pero vacío, lento, autocomplaciente y aburrido. A finales de esa década, y principios de la siguiente, una resurrección tuvo lugar debido a las sucesivas versiones (según Scott, sólo hace pocos meses hemos podido ver la versión que él imaginó), a un halo de misterio conferido por la sospecha de que la verdadera película no se había visto aún, y por la promesa de sus creadores, en una campaña de marketing más brillante que la de LOTR, de que algún día se vería en todo su esplendor.

Esto, unido a la ciertamente muy notable e ifluyente Alien y a la apariencia siempre arrogante y gélida de su director, han bastado para elevar desde la sima hasta lo más alto a éste brillante filme de Sci-Fi. Tanto es así que hoy día, por muchos, está considerada la mejor película de éste género sin ninguna duda, y basta cuestionarla para que se le echen encima, en cualquier conversación y sin ser invitados, varias docenas de fanáticos que no pueden oír una sola palabra negativa sobre ella.

Faltaba nuestra crítica en EXTRACINE sobre ésta película, una aventura que funde con elegancia el Film Noir y el Sci-Fi, pero que bajo mi punto de vista se recuerda mejor que se visiona. Esto es: es mejor película recordándola que viéndola.

Alegan muchos que su visión del futuro, su imaginería (algunos dirían que la ‘estética’, pero no es lo mismo), su plasticidad y su iluminación son únicas e innovadoras. Desde luego, nada de eso. Consigue unificar una urbe a lo Metrópolis, con esa concepción del claroscuro de Scott deudora de la literatura Cyber-Punk de mediados de siglo y el cómic vanguardista europeo de los años 70, para inaugurar el funesto (al menos para mí) post-modernismo.

En mi opinión el postmodernismo no ha sido positivo para el cine, pues ha contaminado su narrativa con la estética videoclip y de spots televisivos, hasta degradar y casi cerrar las puertas abiertas por Ford, Hawks y Hitchcock. Desde luego, todo evoluciona, pero no necesariamente para bien. El desarrollo del arte de la puesta en escena se ha vuelto confuso menos cuando directores con personalidad y honestidad han podido hacer algo con éstas nuevas formas, sin olvidarse de que el verdadero arte comienza y termina con el hombre corriente.

Ahora bien, el fuerte de Ridley Scott nunca han sido los personajes, y no es excusa que se traten aquí de replicantes (que no son androides como mucha gente cree, sino ‘replicas’ del ser humano…es decir, seres humanos 100%, pero creados por el hombre y con fecha de caducidad), porque en ningún momento uno siente la mínima compasión o interés por Deckard, aunque sí por una puesta en escena dotada de cierta fascinación y decadencia formal.

Todo lo mira Scott desde fuera, como un dios indiferente que nada conoce del dolor y de la compasión humanas. Así, un relato que podría haber sido un vibrante thriller metafísico, ve lastrado su ritmo hasta la exasperación por una narración brillante pero epidérmica, ‘artistizoide’, que se complace a sí misma con rutilantes imágenes de neón, pero que nunca coge el toro por los cuernos.

Observamos una Los Angeles irrespirable, barroca y siniestra. Y a Deckard pasearse por ella, perseguir a los replicantes, intentar seducir a Rachel, investigar el paradero de sus víctimas…pero no hay pasión, no hay sangre en ella. Todo pasa ante nuestros ojos, admirados por lo que ven, pero sin calentarnos las emociones. Puede que eso es lo que quisiera Scott, pero el tema que trata, o que intenta tratar, es lo bastante importante como para no importarle, a un director de fuste, únicamente alucinarnos sensorialmente y no provocarnos nada más.

El guión de David Web Peoples y Hampton Fancher confunde complejidad con confusión, y no progresa adecuadamente, si bien consigue momentos de aislada firmeza: el asesinato de la primera replicante, seguido por el encuentro brutal con el segundo; la bella secuencia de amor entre Rachel y Deckard, el clímax final, con la doble venganza de Roy. Pero todo está armado con pinzas, en un conjunto con tiempos muertos inexcusables.

El tono de Scott oscila entre lo poético y lo filosófico. Muchos dicen que la belleza que consiguen sus imágenes es impresionante. Pero a mí nunca me ha cautivado: toda esa poética me parece forzada, innecesaria, impostada, falsa. Como en un videoclip pop con una bella melodía cuyas imágenes han de ser románticas por fuerza. Cameron consigue mucha más fuerza poética sin ser artificialmente poético en The Terminator, más seca, más prosaica, pero al mismo tiempo más hermosa y más profunda que ésta. El mundo ya es lo bastante poético, no hace falta alguien que imponga en él su visión poética. Un verdadero artista sabe hacer visible la poesía que hay en el mundo.

Quizá Blade Runner signifique más por lo que ha provocado como movimiento formal que como película en sí. No todo lo que ha dado el postmodernismo ha sido malo o desdeñable, si bien ese imperar lo sensorial sobre lo verdadero, lo pirotécnico frente a la puesta en escena, ha dañado a mi parecer, el cine americano de las dos últimas décadas del siglo XX.

Ahora éste es el filme mítico por excelencia de la Sci-Fi, y pese a lo aburrida que puede ser, muchos cinéfilos la defienden por delante de otras mucho más estimulantes. Pero es lo que hay.

Sólo se puede calificar de pasmosa la entrevista concedida a El País por el ínclito director español Julio Medem. Ese periódico parece tener una serie de artistas predilectos (notables o indefendibles), y aunque sea para cuestionarlos, los mantiene vivos en sus páginas. A veces se pregunta uno qué han debido hacer para ingresar en la nómina de PRISA, porque a muy pocos debe escapárseles ya que estas entrevistas son un puro acto promocional.

Resulta que debido al estrepitoso fracaso de Caótica Ana debe ser que tanto Medem como PRISA han pensado que necesita un poco de buena publicidad para recomenzar su carrera, y se explaya en la entrevista, haciéndose el mártir de lo lindo, y provocando, al menos en mí, la vergüenza ajena.

Quiero hacer un cine más directo para el espectador, salirme un poco de mí. Hasta ahora he contado lo que me ocurría dentro y me quiero distanciar.

En pocas palabras, va a ser más comercial, porque añade:

Es una cuestión de claves de lenguajes, de planos, quiero ponérselo más fácil al espectador, aunque a mí me cueste más trabajo hacerlo.

Es decir, la razón por la que su última película, y otras, hayan sido fracasos, es porque los espectadores lo teníamos tan díficil, tan difícil, que no podíamos entrar en su propuesta narrativa. Nada de auto crítica, salvo un leve:

Me viene bien admitir mis errores para quitarme vicios, defectos repetidos.

Que sinceramente, suena a falsa modestia. Él no puede entender, le amarga, le obsesiona, que sus películas, la mayoría unos embolados mentales de cuidada factura pero vacías y que nada te cuentan, sean ignoradas por el público. Le parece mal, vaya:

…yo no me podía imaginar el juicio sumarísimo al que he sido sometido…creía que encontraría más ayuda, que me animarían el alma…

En definitiva, ésto es una persecución (aunque nadie sabe a santo de qué) contra el pobrecito de Medem. No tiene nada que ver que Caótica Ana sea un filme desastroso, lo que ocurre es que la peña le odia. Y en respuesta le va a dar a esa peña que le odia productos más fáciles de ver (o quizá…menos enmarañados con sus arrítmicas y confusas ideas) para que acudan a las salas y así pueda ganar mucho dinero de nuevo, porque produciendo la última se ha arruinado, y según él, que es tan sincero que se le ve el plumero, ese es el motivo del cambio. Demencial.

Lo cierto es que Medem, que tiene una imaginación visual notable, es un director de cine muy mediocre, que desconoce por entero el arte de la dirección de actores y de la escritura de películas, que confía todo su relato a su visión personal y su forma de captar con la cámara (en ocasiones muy bella en sí misma, pero cansina y retórica), y ha llegado a un punto de no retorno del que quiere salir, con su ceguera y su ego.

Éste es el gurú progre de una generación de cineastas, cinéfilos y profesionales que le tienen por ídolo, o le tenían, y que a parte de la notable Vacas no ha hecho nada defendible, endiosado y pretencioso creador de chorradas de diseño que los ‘progres’ sin seso elevaron temerariamente a la cúpula de los directores de éste país…hasta que han descubierto que no es más que directorzucho sin talento…

Enlace: Julio Medem empieza de cero

Excepcional episodio de la que puede ser la más hermosa y emocionante serie de animación que se ha hecho, Samurai Jack, creada por el gran Genndy Tartakovski.

Es un cortometraje, en realidad, y un gran cortometraje, con tono de Sci-Fi y Cine Negro que se inspira un poco en Blade Runner y que homenajea a aquella película, a The Terminator y a algunas más. Emocionante relato que abandona el protagonismo de Jack para convertirle en un mero secundario, centrándose más en la figura de su perseguidor.

Mucha melancolía y una muy notable creación atmosférica. Disfrútenlo:

El cineasta español Nacho Vigalondo estrena hoy por fin en España su primer largo Los cronocrímenes. Ha tenido que pasar dos años recogiendo premios por todo el mundo para que esto sea posible.

En una entrevista concedida al ideal.es Vigalondo le cuenta a Borja Crespo lo difícil que es hacer cine en este país y que, al igual que otros compañeros de profesión, no le quedará más remedio que emigrar a Los Ángeles, que es de donde le llegan propuestas. El joven director analiza la situación de esta manera:

Las crisis de ideas no existen. Es como decir que hay crisis de belleza. Lo que falla es el sistema de intermediarios entre las ideas y el público. Estamos atravesando una época en el que el terror al fracaso hace más difícil llevar adelante propuestas inusuales, aunque las de toda la vida también se estrellen.

Internet y las nuevas tecnologías aparecen así, no sólo como un medio sino como una necesidad dado lo autista del panorama español. No cabe duda de que Vigalondo ha sabido sacar partido a la red de redes, lugar donde podemos encontrar viva su obra (cortometrajes, entrevistas, campañas de diverso tipo o simples bromas visuales). Este prolífico creador mira con esperanza los enormes cambios que está sufriendo la industria y que abren todo un futuro de posibilidades.

Es una época muy excitante para ser cineasta. Los más sesudos analistas son incapaces de predecir qué va a venir y los ejecutivos más poderosos están confundidos ante esta incertidumbre. ¿No es maravilloso?

Después de tanto sufrir y luchar, que le quede la certeza de que el futuro es suyo. Podéis ver Los cronocrímenes en las salas de cine de vuestra ciudad este mismo fin de semana.

Vía: Nacho Vigalondoo, director de cine: ‘Sólo me llaman de Los Ángeles’

Enlace: ideal.es

El pasado 21 de junio moría a los 91 años Kermit Love, padre de la gallina Caponata y de tantos otros iconos infantiles que pueblan de momentos inolvidables la memoria de todos nosotros.

Siempre he pensado que a Kermit y a su compañero de trabajo y vivencias Jim Henson habría que ponerles estatuas en las plazas de pueblos y ciudades. El mundo sería peor de no existir gente como esta. Barrio Sésamo, los Teleñecos, los Fraggle, Yoda (Franz Oz pletórico y dando lo mejor de sí),…hay tanto que agradecer.

Os pido el esfuerzo de pinchar en el enlace a la carta de despedida que escribió para el País Gillermo Fesser, otro de esos seres llenos de humanidad que nos hacen la existencia más agradable. Sus experiencias como amigo de Kermit son impagables, como impagable es conocer el origen de nuestro querido Espinete. No, si al final voy a soltar la lagrimita.

Vía: Bye, bye, Love: corazón de goma

Enlace: El País

En diciembre del año pasado, es decir, hace menos de un año, ETA asesinaba en una acción sorpresa y al parecer improvisada, a dos guardias civiles desarmados en Francia, cerca de la frontera con España. Aquel acto atroz conmocionó a ambos países por su crueldad y la sangre fría conque fue llevado a cabo. Pocos meses después Jaime Rosales comenzaba el rodaje de la película que cuenta aquél acontecimiento siniestro.

Sin duda será una película polémica. Es un filme ambicioso, no sólo porque lo diga su director, el último en ganar un Goya al mejor director, sino porque en éste país llevar a cabo un guión como éste es una empresa que requiere la máxima honestidad y valentía. Acaba de hacerse público que será parte de la sección oficial a concurso del próximo y ya cercano Festival de San Sebastián, uno de los cuatro festivales A (esto es, con el de Venecia, Berlín y Cannes, puesto que son los 4 que estrenan películas extranjeras que no se han estrenado fuera de sus países, a parte de otros requisitos).

Ya iremos hablando de las películas que vayan seleccionando. Pero probablemente habrá pocas tan esperadas como ésta, por lo que cuenta, y precisamente por presentarse en el País Vasco, en el festival más importante de éste país.

Enlace: Jaime Rosales llevará la sinrazón de ETA al Festival de San Sebastián