Habíamos dejado ayer a Ethan, en la primera parte de este extenso análisis (menos mal que son los primeros 13 minutos y 15 segundos de la película…), en el porche de la casa, después de soltarle a su hermano una buena cantidad de monedas de oro con tal de que dejara de preguntarle por qué no se fue de Texas antes de la guerra, cuando tuvo ocasión. Sospechamos, igual que Aaron, que la razón era Martha. Por otra parte si echamos un cálculo de los años que ha estado fuera (lo menos 7) obtenemos la edad aproximada de la menor de las hijas de Martha, Debbie, que tendrá ahora esa edad. Por supuesto que la teoría que sostenemos (más que teoría, certeza) es que Debbie es fruto de un romance secreto entre ambos.

A esa imagen nocturna de Ethan en el porche le sucede otra diurna que casi parece romper el contínuo secuencial de un hachazo violento, con la música subiendo a todo volumen: los rangers llegan al rancho de los Edwards a primera hora de la mañana. De hecho, las notas musicales anuncian el presagio de una tragedia inminente. Es el reverendo Samuel Clayton (maravilloso Ward Bond) que ahora es capitán de los rangers, el que llama a la puerta acompañado de sus hombres, anunciando que alguien ha robado ganado en la vecina casa de los Jorgensen. El que interpreta a este personaje de ascendencia holandesa es el fordiano John Qualen.

Aquí, en el minuto cercano al 9:30, tenemos uno de esos planos que han hecho de Ford una leyenda, y de los que tanto gustaba el irlandés: una docena de personajes moviéndose en torno a una mesa con una coreografía y una sensación de vida maravillosas. Con el reverendo en el centro del plano trastocando pero ordenando también la rutina de la casa y con varios personajes interactuando sin cambiar de plano. Una imagen nítida de una comunidad, rota por la aparición inesperada de Ethan, que se ha levantado más tarde que nadie por el largo viaje, presumiblemente, del día anterior.

En realidad Clayton ha venido para reclutar a Martin y a Aaron como rangers voluntarios, sin paga, y así poder tener a más hombres a su servicio. Pero nada más acabar el juramento improvisado, se levanta Ethan y sorprende al bonachón reverendo. Parece haber una relación entre ellos profunda pero difícil. Es plausible que ambos sirvieron juntos a la Unión en la Guerra Civil. Dice Clayton: “no te veo desde la rendición…para ser sinceros, no te ví en la rendición”. A lo que Ethan responde: “no puedo creer en rendiciones, aún conservo mi sable, y no está inservible”. Esto nos dice dos cosas sobre la torturada y oscura personalidad de Ethan: primero que es un tipo que vive en el pasado y que no acepta la realidad, en un impulso obsesivo; segundo que a pesar de que decía regalar el sable a su sobrino, como vimos en el post de ayer, esto es falso, lo que añade un componente falso y mezquino.

El plano siguiente a esta declaración de principios podría ser de Aaron molesto porque lo del sable era una gran mentira. Pero en lugar de eso tenemos a cuatro rangers (entre ellos el importante Moss, que está diciendo que han sido los indios aunque nadie le hace ni caso), y en el centro, radiante de luz Martha, que si no está ensimismada mirando a Ethan, que el lector ponga el minuto 10:53 y me lo diga. De hecho, es sorprendente que nadie se percate de que esta mujer venera al personaje de John Wayne. Quizá con esto Ford haga una crítica velada al hecho de que a las mujeres no se les prestaba atención en aquella época y lugar.

Pero Ethan ya va a ponerse en marcha. Se coloca su pistola y deshace el juramento de su hermano, porque pueden ser comanches, tal como dice Moss, y es mejor que Aaron se quede. Vemos también aquí la capacidad de liderazgo y la fuerte voluntad y presencia de Ethan, que con su sola voz amedrenta a casi todos menos a Clayton. Con este romper el juramento de su hermano, Ethan inicia una cadena de profanaciones de costumbres y rituales que durará toda la película. Al mismo tiempo, él no piensa jurar, porque ya juró una vez por los confederados y según él sólo se puede jurar una vez en la vida, pero Clayton sospecha que no jura porque quizá ha cometido algún crimen inconfesable.

Se queda sólo Ward Bond mientras todos se preparan para partir, y descubre las mofas de los hermanos pequeños a la mayor, Lucy, que se está abrazando a escondidas con su novio, otro ranger, hijo de los Jorgensen, interpretado por Harry Carey Jr., hijo de Harry Carey, un mítico actor de cine mudo al que Ford admiraba mucho, y del que Ford cogió su gesto predilecto para el último plano de esta película.

Llegamos casi al final de este análisis con un momento mítico. Clayton se pasea, emanando humanidad, por la casa, con un café en una mano y una rosquilla en la otra. Y descubre a Martha acariciando el abrigo de montar de Ethan. El tema musical de amor, de una melancolía enorme, hace acto de presencia. Aparece Ethan detrás de Clayton y ella se acerca a él y le da el abrigo. Se miran largamente, y el reverendo hace como que no se da cuenta, aunque lo sabe todo. Cuando Ethan sale, Martha le sigue embelesada y se queda en la puerta. El reverendo simplemente sale por esa puerta, por el resquicio que le permite Martha.

Que el romance entre Ethan y Martha es una certeza a todas luces, no es algo que creamos que deba remarcarse más, si bien Ford lo narra con una serie de miradas y movimientos de una delicadeza y sensibilidad extremas. De ese amor prohibido nació Debbie, a quién Ethan y Martin buscarán durante diez años, aunque Ethan con el secreto, una vez más, deseo de matarla, pues no soporta que su propia hija se haga comanche. Que alguien me nombre un drama más terrible y mejor montado que este. O que alguien me cite, si es que puede, una película cuyos primeros minutos contengan tantas ideas, misterios y tanta sabiduría narrativa, tanta inteligencia. No creo que la haya.

Gracias por haber llegado hasta aquí.

Bueno, en realidad son los primeros trece minutos y quince segundos exactamente. No, no vamos a poner ningún clip de ninguna película de super-héroes sobre la que ofrezcamos una exclusiva en Extracine, ni cosas por el estilo tan normales en los blogs de cine. Vamos a hablar de arte.

La legendaria película dirigida en 1956 por el gran John Ford ha suscitado una voluminosa literatura en torno a su mito y a su condición de una de las obras maestras más importantes de la historia del cine. En el momento de su estreno, sin embargo, fue despachada como una película más de indios y pistoleros. En los años 70, con las nuevas olas cinematográficas estadounidenses que la citaban sin descanso, comenzó su imparable ascenso hacia lo más alto del prestigio.

Vamos a comentar su comienzo nada más, pues analizar la película entera llevaría o bien un post de longitudes insoportables o muchísimos posts, demasiados, para fragmentarlo.

Comenzamos por los mismos títulos de crédito, convencionales en cierto modo, sobre los que suena una romántica balada de Stan Jones, What Makes a Man to Wander?, que ya anticipa el tema de la película:

What makes a man to wander? What makes a man to roam? What makes a man leave bed and board And turn his back on home? Ride away, ride away, ride away.

Antes de la primera imagen un cartel nos avisa del lugar y la fecha: TEXAS, 1868. Esta forma de fijar con exactitud los hechos es muy importante, nada casual. Y enseguida se verá por qué. Se abre el fundido en negro, pero con una puerta que nos adentra en la primera imagen del filme, a pesar de trasladarse de un interior a un exterior. Recortada contra el fondo aparece la figura de la mujer que ha abierto la puerta. La mujer sale al exterior, seguida por un suave travelling que la deja en primer término mientras al fondo observamos el horizonte, parece que ella ha visto algo acercarse a la casa. En efecto, antes del primer corte del filme podemos observar no muy lejos que un oscuro jinete se acerca al hogar. Se oyen bellos violines nostálgicos.

Corte al rostro de la mujer en un plano medio, de este modo la cámara pasa de estar detrás de ella, a estar de frente. Parece hipnotizada, también parece no creer lo que está viendo. Se cubre los ojos para ver mejor. Corte levemente más cercano al jinete que se acerca lánguidamente. Sin lugar a dudas este es un subjetivo de ella. Volvemos a ella, pero un plano que en lugar de tener el aire a la izquierda de cuadro, lo tiene a derecha. Esto es porque aparece el marido de la mujer en ese espacio, por detrás de ella, tan sorprendido como ella de la llegada del visitante. Si nos fijamos bien, ella parece contrariada porque le hayan invadido ese momento de intimidad personal (qué gran interpretación de Dorothy Jordan como Martha Edwards es admirable en todo momento). Él dice: “¿Ethan?”.

De pronto toda la familia parece acudir al porche a recibir al recién llegado: dos hijas, un hijo y un perro. Curiosamente el perro le ladra al jinete, que no es otro que Ethan Edwards (John Wayne), hermano del padre de familia, Aaron. Los hijos se asombran de volver a verle después de lo que se supone un largo tiempo. Tras darle la mano a Aaron, que se adelanta para recibirle, John Ford pasa con gran habilidad al contracampo, con el que retrata a toda la familia en un plano soberbio: la pequeña con el perro a un lado, los dos hijos mayores a otro. En el centro Martha Edwards, Aaron Edwards (Walter Coy) y Ethan Edwards. Ella viste un radiante delantal blanco que la destaca sobre los demás de forma notable como el punto de mayor luz, otorgándole un aura casi divina. Ethan se acerca a ella y Ford pasa entonces a un plano mucho más corto, cediéndoles un momento clarificador: ella le mira en el límite del amor parental, pero a punto de rebasarlo, a él le pasa igual; sin dar lugar a un corte ella le ofrece pasar a la casa, yendo primero al interior pero sin darle la espalda en ningún momento.

Una posible relación secreta romántica entre cuñados está presente desde esta primera secuencia. Pero no cesan las evidencias. Ya en el interior la secuencia comienza de forma también algo extraña (¡hay muchas cosas extrañas e inquietantes en estos primeros 13 minutos y 15 segundos, como estamos viendo! y son las que convierten a este filme en algo único), en un movimiento algo teatral que refuerza el gesto, Ethan coge a Deborah (la hija menor) y la levanta sobre su cabeza sin esfuerzo. Este plano tiene una importancia capital, pues se repetirá diez años más tarde y en circunstancias muy distintas cuyos motivos arrancarán en cuanto terminen estos 13 minutos y pico.

Pero Ethan se equivoca de hija, porque han pasado muchos años y han crecido. A continuación el hijo de los Edwards le pregunta a tío Ethan qué va a hacer con su sable, a lo que él responde que pensaba regalárselo, y el sobrino se pone bien contento con ello. Aaron, por su parte, le pregunta qué tal le ha ido en California, a lo que Ethan responde que nunca ha estado ahí, a pesar de que eso les dijo a ellos Moss Harper (un personaje fundamental, el loco/sabio de esta historia, interpretado con gran convicción por Hank Worden). Es interesantísimo este plano en contrapicado en el que se recoge esta conversación. Si el lector está viendo la película mientras lee estas líneas, puede fijarse que dos vigas del techo se cruzan justo sobre la cabeza de Ethan. Esto bajo ningún concepto puede ser casual, y espero que el espectador no sea tan ingenuo de creerlo así. Esa x sobre su cabeza le señala como culpable de algún acto criminal cometido en California, y el hecho de que Ethan lo niegue y cambie de tema no hace sino acrecentar las sospechas, como veremos más adelante.

Llevamos justo 4 minutos, no está mal. Seguimos. Martha le coge el abrigo a Ethan para limpiárselo, y Aaron le da la mano por segunda vez y le dice: “bienvenido a casa”. Hasta aquí, con algún detalle raro e inquietante, nos han descrito una pequeña familia de rancheros en un ambiente bastante agradable y sin demasiados problemas. Pero durará poco. Fundido a una imagen de otra puerta, de otro mundo, pero de la misma casa: el joven Martin Pawley (el siempre apuesto Jeffrey Hunter en un momento espléndido, lástima de muerte prematura…), un miembro no sanguíneo de la familia. Llega radiante y feliz en un caballo sin silla, a la manera india, y con un vestuario muy similar al de un indio, sumado a su tez muy morena. Están todos ya cenando y le sorprende ver a Ethan con ellos, el cual le observa con una mirada de desprecio que le hace sentir muy incómodo. Martha tiene que recordarle a Ethan quién es, y Martin parece amedrentado. Su llegada a la cena una vez comenzada esta indica también su no pertenencia natural a esa familia. Ethan afirma que casi le confunde por un mestizo, con una mirada de desdén brutal. Él se defiende asegurando que “sólo” tiene (como si eso le bastara a Ethan) una octava parte de sangre Cherokee, lo que es como decir que un bisabuelo suyo no era blanco.

Es Aaron (que parece ajeno siempre a la tensión de la mesa) el que explica que fue Ethan quien encontró a Martin llorando detrás de un arbusto después de que mataran a sus padres (presumiblemente los comanches), aunque el propio Ethan asume que fue una casualidad sin importancia que le encontrase, añadiendo más tensión a la conversación y empezando a dejar claro su carácter racista. De ahí pasamos a un fundido a un plano con Martin en el exterior de la casa, lo que viene a indicar (a pesar de que con probabilidad simplemente ha terminado la cena y Martin ha salido un rato a tomar el aire) que de momento Martin no es un miembro legítimo de la familia. Va a tener que ganárselo. Todas las secuencias son importantes y sin ellas no funcionaría esta historia, como la que sigue: Martin regresa al interior y da las buenas noches, acompañado del hijo de los Edwards, que hace una pregunta muy incómoda a Ethan: “¿si la guerra acabó hace tres años cómo es que no volviste a casa hasta ahora?

Pero es acallado por todos. Sin embargo la pequeña Debbie tiene más atención por parte de Ethan, pidiéndole un colgante como el que le regaló a Lucy hace años. Ethan intenta complacerla, pero sólo tiene una medalla de la guerra. Ford se molesta en hacer un plano detalle de la medalla, y en su cine un plano detalle no es como en otros, es de una importancia capital. A poco que sepamos algo de historia, se ve con claridad que esa medalla es francesa. La guerra de secesión americana (que Ethan perdió, pues es confederado) tuvo lugar de 1861 a 1865, mientras que las guerra mexicana para su liberación del imperio francés fue de 1864 a 1867, justo un año antes de los hechos que comienzan con esta película (de ahí la importancia del cartel que la abre). Muchos confederados, arruinados y vencidos, se alistaron en las tropas de Maximiliano con la esperanza de ganar dinero, pero también perdieron. De ahí quizá que Ethan se viera obligado a convertirse en criminal. Todo esto está en la película, pero hay que saber verlo.

Aaron no es tan tonto como parece y le pregunta a Ethan porqué se quedó antes de la guerra cuando muchos se marchaban a buscar fortuna, quizá sospechando que la razón fue Martha. Ethan vuelve a hacerse el loco y les da un buen montón de oro (recién acuñado…) con tal de que le dejen tranquilo, que Aaron coge sin pestañear y guarda como un usurero, mientras Ethan, siempre muy caballeroso con Martha, le acerca la lámpara a esta. Sin embargo, y como es natural, Martha se va a la cama con su marido y Ethan se queda fuera en el porche a la manera que lo hiciera Martin antes. De esta forma los hermana Ford como a dos ‘outsiders’.

Hasta aquí los primeros 8 minutos y 43 segundos de la película, plagados, como hemos visto, de ideas y detalles inquientantes, sutiles y geniales. Mañana, domingo, terminaremos el análisis, para no hacer interminable este post en su lectura…

He de reconocer que no soy un admirador del trabajo que realiza el director Edward Zwick. De hecho, su última película, Diamante de Sangre me recordaba a los flashbacks del personaje de Mr. Ecko de la serie Perdidos pero en formato alargado. Y el reconocimiento que recibió el papel que realizaba DiCaprio en esa cinta no termino de explicármelo, teniendo en cuenta que Infiltrados estaba ese año ahí, y Leo se salía. En fin, es una opinión.

Lo que no se puede negar es que nuestro amigo Zwick es un realizador que, aunque algo carente de pulso, resulta solvente. Tiene pocos recursos pero los suele explotar, con mayor (Estado de sitio), medio (El Último Samurai) o menor acierto, como la mencionada Diamante. Suele entretener, y su épica resulta muy asequible para el gran público. Ahí está Leyendas de Pasión folletinesco ejemplo máximo de lo que acabo de decir. Por lo que un nuevo proyecto suyo suele garantizar taquilla y palomitas en cantidades considerables, que básicamente es lo que suelen pedir tanto productores como público, cada uno en lo suyo.

Defiance, acto de rebeldía, es su nueva cinta. Protagonizada por Daniel Craig y Liev Schrieber, nos cuenta la historia de dos hermanos judíos que escapan de la Polonia invadida por los nazis, adentrándose en los bosques de la región y uniéndose a la resistencia rusa, con quienes construirán una poblado donde hacer fuerte y resistir los ataques del enemigo. Trailer a continuación:

Personalmente, empiezo a sentir un cierto agotamiento en la temática nazi-judaica ambientada en la II Guerra Mundial. Es un tema capital, es algo que no hay que olvidar, es una herida en la misma esencia de lo que nos hace humanos, qué duda hay, pero ya me pasó con Los falsificadores y hace poco con El niño del pijama a rayas. Ya no sonaba a necesidad. Ya no sonaba dramático o que apelase con sinceridad a tu interior. Ya era formulario, correcto como mucho y panfletario como poco.

Por lo menos la sinopsis ya suena muy Zwick. Así que ya me imagino el resultado. ¡Popcorn!

Enlace: ‘Defiance’ trailer exclusive | Vía: Rotten Tomatoes

Pasa con cualquier tipo de premios que se entreguen, ya sea de forma puntual o periódica: siempre se mete la pata. Por mucho que las opiniones disten y cada uno tengamos la nuestra, se hace inevitable con el paso del tiempo que hay ciertas películas premiadas que no resisten el embite del reloj, mientras otras, no reconocidas en su momento, mejoran como el buen vino.

Los Oscar no son la excepción, muchos los considerarían la regla incluso. Y es por eso que la revista Entertainment Weekly ha decidido hacer algo al respecto. Desde el pasado 6 de Octubre han iniciado un proyecto llamado Recall the Gold, sí, Retira el Oro, mediante la cual mandan semanalmente a los miembros de la élite Hollwyood boletos para que reconsideren sus opiniones pasadas, y voten de nuevo, ésta vez en frío, sin asedio mediático.

7000 sobres blancos con el lema Recall the Gold escrito es un flagrante rojo sangre harán del voto anónimo, pero numerado por motivos de seguridad. Votarán 6 categorías: película, director, actor principal y secundario, actriz principal y secundaria. Han escogido sólo 5 convocatorias a reconsiderar: 2003, 1998, 1993, 1988 y 1983 (hace 5, 10, 15, 20 y 25 años respectivamente).

Los boletos regresarán el 1 de Noviembre a las oficinas de la revista, y en Enero del año que viene sabremos si la justicia es un plato que se sirve frío, al igual que la venganza. O no.

¿Es realmente mejor Shakespeare in Love que La Delgada Línea Roja? ¿O Roberto Benigni que Ian McKellen? Que me manden el voto, que yo lo tengo bien claro…..

Enlace: Hollywood Re-Votes the Oscars | Vía: Film Junk

Sí, Tom Cruise. Se ha despachado a gusto la veterana leyenda del cine, que fue mujer de Humphrey Bogart, como todos sabemos, y que las gasta terribles cuando alguien le cae mal. No ha tenido pelos en la lengua en una entrevista a la revista Elle. Al parecer, cuando conoció a Nicole Kidman en la estupenda Dogville, tuvo acceso al estado psicológico de la actriz recién separada de la maxi-estrella.

Tampoco es que se haya llevado siempre bien con Kidman, de la que dijo cosas no muy lindas en cierta ocasión, pero supongo que una mujer como ella, que a estas alturas de su vida no debe temer que dejen de llamarla para alguna producción, puede desahogarse a gusto con sus ideas sobre alguien. A mí, personalmente, me encanta que la gente diga lo piensa alguna vez, en lugar de pensar siempre lo que dice. Por otra parte, dice cosas que todo el mundo sabe, pero que nadie dice. De hecho, creo que se queda corta, teniendo en cuenta que conoce a Kidman. Pero qué marujil soy cuando me da la gana…

Este Tom Cruise es un loco. No puedo entender la forma en que se comporta en su vida

Tom la había dejado por Penélope Cruz o alguna estupidez así. Ya sabes, una de sus más ridículas medidas

Y digo yo, que soy un paranoico: ¿habrá algún tipo de contrato entre las estrellas para ponerse a parir de vez en cuando, y de este modo tener presencia en los medios? No lo descarten.

Enlace: Lauren Bacall: “Tom Cruise es un loco”

Lenta pero segura avanza la adaptación cinematográfica del videojuego Príncipe de Persia. Mientras esperamos la llegada de un trailer que llevarnos a la boca les pongo uno recién estrenado para promocionar la próximas aventuras digitales.

Deberían tomar buena nota los responsables de la película si quieren superar lo que aparece en las imágenes: Elegancia, belleza, maravillosa dirección artística, carismáticos personajes, acción ágil y espectaculares y limpios combates. Ahí es nada. Más de un ejecutivo de Hollywood se habrá puesto a temblar (eso en el supuesto caso de que los ejecutivos de Hoollywood tengan corazón además de cartera). Disfrútenlo.

El 21 de noviembre se estrena la primera película sobre la saga de best seller Crepúsculo de la escritora Stephenie Meyer. Tengo que reconocer que no tenía ni idea de la existencia de esta aventura vampírio/romántica para adolescentes hasta hace unos días.

La reciente llegada a España del cuarto libro, Amanecer (y que cierra el ciclo abierto por Crepúsculo y continuado por Luna Nueva y Eclipse), fue presentado por todo lo alto en mi lugar de trabajo. Decenas de niñas sobreexcitadas me dieron la tarde por la celebración de tan magno evento. Supongo que valió la pena la espera (más de tres horas estuvo aquello revuelto) porque se fueron todas contentísimas con su libro bajo el brazo (250 se vendieron esa tarde, así, de un tirón). Espero que por lo menos una parte de ellas llegue con el tiempo a alta literatura, creo que esa sería una importante baza para respaldar el consumo adolescente de este tipo de lectura. Les dejo con un avance de película que promete arrasar ante el joven público femenino.

No todo va a ser el rodaje, pospuesto casi una década, de la bélica tarantiniana Inglorious Bastards, o el recién finalizado de Almodóvar. Hay muchos rodajes de los que hablar.

Por ejemplo, el desembarco, no por esperado menos insustancial, del brillante director de cortometrajes pero mediocre director de largometrajes Juan Antonio Bayona, quien ostenta el dudoso honor, gracias a su hipertrofiado y torpe El orfanato, de ser el director español más taquillero en muchos años. Todos los que esperábamos que se recuperase con un segundo proyecto más personal y consecuente, gracias a la libertad que otorga (al menos algo otorga) la pasta ganada en las salas, parece que tendremos que esperar, pues va a seguir durante un tiempo a la sombra del sobrevalorado Guillermo del Toro.

Parece ser que el ahora celebrado director mexicano tenía sobre la mesa la posibilidad de adaptar Hater, sobre el original literario homónimo de David Moody, un thriller muy oscuro del que ahora se hará cargo Bayona bajo la producción de su amigo del Toro, y surodaje comenzará en pocos meses.

Una paisana suya, aunque con más experiencia en eso de dirigir largometrajes personales y en viajar por el mundo, la barcelonesa Isabel Coixet, ultima los preparativos del rodaje de Map of the Sounds of Tokyo, precisamente en la capital japonesa, que protagonizarán Rinko Kikuchi (vista en Babel) y Sergi López, sobre una asesina a sueldo con doble vida.

Promete bastante. Su directora finalmente se sumerge en su amada cultura japonesa, con una historia que al menos a priori sugiere un cambio temático estimulante.

Finalmente, los hermanos Coen, que hoy mismo estrenan su Burn After Reading (otro proyecto pospuesto algunos años y que comentaremos en Extracine cuando lo veamos) regresan a su siempre ironizada Minnesota natal con una nueva comedia negra (y van…) titulada A Serious Man, una película que en principio no va a contar con ninguna de las estrellas que han rondado por sus últimas películas.

Con ella, que se está rodando actualmente, podrían cerrar la más prolífica de sus décadas hasta la fecha, ya que en ella han estrenado siete largometrajes más el proyecto plural de Paris, je t’aime. Lástima que su carrera haya declinado con respecto a los 90, donde firmaron cinco obras maestras.

Vía: Imdb

No sé lo que pensarán los lectores, pero es un póster magnífico. Esperábamos ya con ansiedad la nueva película de esta gran directora, que ojalá se haya recuperado después de una época menos brillante. Y este cartel acrecienta las ganas de ver este film de acción en torno a un grupo de artificieros en la actual guerra de Irak.

Siempre he creído que la fuerza de un cartel reside más en su idea conceptual que en el manido recurso de mostrar las caras de los actores. Pero pocas veces lo primero.

Enlace: EL NUEVO PÓSTER DE ‘THE HURT LOCKER’ ES CO-JO-NU-DO | Vía: Las horas perdidas

En la sala en la que hace no mucho rato compartía visionado con compañeros de esto de escribir sobre cine (gente a quien respeto, como Antonio Toca, aunque hayamos tenido nuestros más y nuestros menos, probablemente más motivados por mi mala leche que otra cosa), también teníamos la compañía de espectadores que habían participado en la película, siquiera someramente. Por supuesto, los figurantes y demás cuadrilla estaban encantados con la salsa de disparates que es este Sexykiller, si bien algunos bloggers y escritores de cine no entraron en el juego. Porque se trataba de entrar libre de todo prejuicio y escrúpulo a una película que sin duda podría haber sido bastante peor.

Ésta barrabasada es un pastiche delirante que en ningún momento, creo yo, se ríe del espectador, sino de sí misma y del rosario de géneros, lugares comunes, clichés, convenciones que son el verdadero objeto de su existencia. Porque más que una película, tenemos un seudo-producto con pleno convencimiento y orgullo de ser un seudo-producto, y donde uno de cada cuatro chistes tiene verdadera gracia. Y eso, en esta cinematografía española nuestra, es todo un estímulo.

Todo el mundo quiere ser Tarantino

Lo cierto es que sus trailers auguraban una estupidez sin talento ninguno. Pero talento tiene… El director, Miguel Martí, parece consciente de sus limitaciones y ofrece una puesta en escena hábil y dinámica, con algunas blandenguerías rítmicas y tramáticas pero con bastante garra. Tampoco era muy difícil, pero ha conseguido una parodia/homenaje tarantiniana a la española con todas las de la ley. Una película perfecta para un día en el que más que cine, a uno le apetezca desconectar con una gamberrada insustancial

Esta historia de una asesina hortera tiene la casquería necesaria, y el cachondeo y la coña necesaria, y el guión es deslavazado pero con chispa, y la actriz protagonista (una anoréxica Macarena Gómez) es limitada, pero es un buen casting para esta psicópata, con esos ojos gélidos y ese aspecto enfermizo. El resto del reparto cumple sin demasiada brillantez pero con profesionalidad.

Sin embargo es César Camino, un actor muy interesante, el que acaba salvando gran parte de la película de convertirse en una bobada molesta, pues es capaz de soportar las escenas más imbéciles con una entereza digna de encomio. Este hombre, en opinión de este crítico un valor a tener cuenta en el futuro, pasa de marginado estudiantil (universitario de 35 años, en fin), a inventor loco, de ahí a conquistador redimido, de ahí a héroe de película de terror, y sin perder la mínima dignidad, a pesar de hacer el bobo con mucha garra.

Técnicamente, que dicen algunos, la película es correcta, aunque con lagunas. La fotografía de Carles gusi, con un gran angular bastante sobrio, adolece de un exceso de grano incomprensible y de una luz irregular, pero va bien con esta historia a medio camino entre lo cutre, lo popero y lo kitsch. La música es insufrible, pero el maquillaje y los efectos sonoros son bastante interesantes.

Bajo mi punto de vista, esta película demuestra que el casi siempre fláccido e insustancial cine español puede hacer tonterías comerciales con la misma credibilidad (o casi) que el cine norteamericano. De acuerdo que es una muy mala excusa para ir a verla, y una pobre justificación para ver más cine español antes de que se hunda definitivamente. Pero es un comienzo.

Con el estreno próximamente de su nueva cinta, Body of Lies, y con la ayuda de los amigos de Film Junk, es tiempo de mirar atrás al pasado del director de la misma, Ridley Scott, capaz de lo mejor, lo bueno, lo indiferente, y alguna metedura de pata en 35 mm que otra.

Scott comenzó su carrera en el diseño gráfico y la publicidad antes de pasar a terrenos televisivos o cinematográficos. Después del salto tenéis la oportunidad de hacer un recorrido real por algunos de sus mejores trabajos en formato corto, una de formas más representativas de mostrar talento: poco tiempo.

Anuncio: de Mac (1984)

Considerado como uno de los mejores anuncios jamás realizados, y se sigue usando como ejemplo de las magníficas campañas de marketing que usa la compañía de Steve Jobs. Apple es la luz en un mundo de marcas oscuras según se nos muestra.

Anuncio: de Hovis Bike Ride (1973)

Votado recientemente por el público británico como su anuncio favorito de todos los tiempos. No es fastuoso pero sí efectivo.

Anuncio: Nissan 300ZX para la SuperBowl (1990)

Haciendo incapié en la velocidad, fue prohibido en cierta forma tras emitirse durante la SuperBowl de ese año dado que supuestamente incitaba a las carreras clandestinas de coches.

Corto:Boy and Bicycle (1975)

Rodado en blanco y negro y en 16 mm, vemos como el hermano de Ridley, Tony, decide saltarse las clases y darse una vueltecilla en bici.

Anuncio: Orange Telecom Future Thoughts (1998)

Anuncio: Pepsi Corrupción en Miami (1985)

La iluminación es taaaan marca de la casa….

Anuncio: Barclays

Siguiendo la estela estética de Blade Runner, Scott hizo una serie de cortos para el banco Barklays.

Videoclip: ‘Avalon’, de Roxy Music (1982)

El único que rodó Ridley. Con un halcón en él, que luego sería el simbolo de su productora, Scott Free Productions.

Anuncio: W.R. Grace (1986)

De acuerdo a la revista Time, costó 300.000 dólares en su día, para darle a un tema nada suculento un interesante giro de sci-fi.

Enlace: The Short Works of… Ridley Scott | Vía: Film Junk

Con toda la avalancha de proyectos cinematográficos que Marvel consigue llevar exitosamente, era cuestión de tiempo que Warner, propietaria de la gran competencia directa, DC comics, arranca con fuerza en algún momento, tras incursiones exitosas (Batmans y Supermanes) y otras no tanto (sielos, Catwoman, le horreur).

Hoy se ha sabido de dos producciones largo tiempo comentadas pero que no terminaban de verse salir adelante por ningún lado. Hablamos de Green Lantern y Jonah Hex.

Del primero, un héroe representante de una gran fuerza intergaláctica que lucha por el orden universal apoyados en sus anillos de poder, los cuales se alimentan de la imaginación y voluntad de sus portadores para generar aquello que su dueño quiera con su luz, se empiezan a escuchar rumores de casting. En este caso, Latino Review comenta que los productores quieren a Ryan Gosling para el papel.

Gosling, que tras rumorearse su implicación en papeles de producción grande como el de Jack Ryan en las adataciones de las novelas de Tom Clancy, o de su huída de proyectos mainstream como podían ser The Lovely Bones de Peter Jackson (de la que se desvinculó cercano el comienzo del rodaje), lleva un tiempo en el circuito independiente, con cintas como Lars y la chica de verdad o próximamente All Good Things. Es conocido su gusto por el cambio de registro y no sería descabellado verlo de verde surcando próximamente el espacio.

En segundo lugar, el otro personaje de DC, Jonah Hex, una suerte de vaquero Eastwoodiano con la cara deforme y viajes temporales en su currículo, ya tenía directores asignados. En este caso era el dúo tras Crank, Mark Neveldine y Brian Taylor.

Aunque se rumoreó inicialmente que el asignado para el papel sería Thomas Jane, gracias a unas imagenes de arte conceptual filtradas a la red, Hollywood Elsewhere afirma que Josh Brolin podría haber firmado ya, algo que el actor niega. En una racha rompedora como pocas, tras Planet Terror, No Country for Old Men, American Gangster y ahora la próxima W. no sería de extrañar que la Warner no dudase en soltar la pasta que se quiera con un nombre tan potente asociado.

Superhéroes, superhéroes, superhéroes… ¿tendremos superpelículas?

Enlace: WB Wants Ryan Gosling as Green Lantern? + Josh Brolin is Jonah Hex? | Vía: Film Junk

Hagamos un experimento. Nos dicen que imaginemos de qué época estamos hablando según los títulos de películas que vamos a oír nombrar: Rambo, Rocky, Indiana Jones, Superman, Jungla de Cristal… Estarán de acuerdo conmigo en que, de no tener conocimiento de la actualidad que nos rodea, todos pensaríamos en los 80 o 90 y no en la primera década del siglo XXI.

La verdad es que esto ya empieza a oler mal, muy mal. A la larga lista de secuelas estrenadas y a los proyectos de secuelas por estrenar se une ahora Arma Letal con su quinta entrega. Aquella resultona película de acción perteneciente al subgénero de las buddy movies ya tuvo clónicas continuaciones que hicieron dudar en su momento de los logros de su respetable primera parte. Pero claro, el público joven, como ya hemos comentado por aquí, carece de memoria histórica (y de reproductor de DVD, y de emule, y de televisión por cable) por lo que es propenso a recibir como nueva esta manida historia que, ¿adivinan?, pondrá en solfa al loco Gibson junto al viejuno Glober para enfrentarse al loco de turno que, por supuesto, pondrá en peligro a algún querido miembro de la familia. En fin, no se a ustedes, pero a mí este asunto amenaza con matarme de aburrimiento un día de estos.

Enlace: ‘Arma Letal 5’ ya está en marcha

Vía: europapress

El reparto de la nueva película de Tim Burton se va consolidando poco a poco a medida que la producción de la cinta se desarrolla. Estamos hablando de la versión burtoniana del clásico de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas, quien ya encontró su Alicia, pero más que nada, su Sombrerero Loco.

Ahora son Anne Hathaway y Helena Bonham Carter, quien de hecho y ahora que sale su nombre es la esposa de Burton, se unen al elenco artístico de la cinta.

Hathaway, que este año suena fuerte en las quinielas pre-Oscar por la supuesta calidad de interpretación en Rachel Getting Married, comedrama de Jonathan Demme, interpretará a la Reina Blanca, una magnánima monarca que es destronada y desterrada por su malvada hermana, la Reina Roja, aficionada a gritar ¡Que les corten la cabeza! a todo aquel que se le ponga a tiro. Esta última será Bonham Carter, quien se siente como pez en el agua con papeles pasados de rosca y esperpénticos, miren su filmografía si no me creen.

La Reina Blanca necesita de la ayuda de Alicia para liberar a una criatura conocida como el Bandersnatch, cosa que sólo me reafirma en que tengo que releerme el relato original, que lo recuerdo vagamento como un flipe lisérgico a lo Miedo y asco en Las Vegas, porque no me acuerdo de esta trama para nada…

La cinta, recordamos, será resultado de la combinación de imagen real y tecnología de captura de movimiento, en proporciones aún no especificadas. Está siendo producida por Richard Zanuck, Joe Roth y el par compuesto por Jennifer y Suzanne Todd.

Un profesor mío de la carrera lo decía y yo lo sostengo: Burton es de los pocos directores con voz propia en el panorama cinematográfico actual. Merece la pena la espera y la esperanza.

Enlace: Hathaway, Bonham Carter Join Alice in Wonderland | Vía: Coming Soon

El cineasta, voz de los no representados, y buen tío en general para cualquier causa que él considere meritoria, Michael Moore, puso su última película Slacker Uprising en distribución libre y gratuita por internet. La razón que esgrimió para ello era que quería que la película llegara a la mayor cantidad de gente posible esperando poder marcar algún tipo de diferencia de cara a las elecciones, pero algunas acciones recientes por parte de Moore y sus abogados pueden hacer pensar otra cosa.

 

La película sólo estaba disponible online para Estados Unidos y Canada a través de un limitado número de portales autorizados, pero algunos proveedores de descargas torrent empezaron a circular sus propias copias de la cinta, dando la oportunidad a una audiencia global de acercarse a la última obra de Moore con equidad al público norteamericano. Esta acción, que algunos podrían considerar en consonancia con la intención inicial de la distribución gratuita inicial, queda en entredicho cuando dichos proveedores de torrents, y algunos de sus servidores, están siendo acusados y amenazados de consecuencias legales derivadas de violación del copyright. Y que por supuesto deben retirar la película de sus bases de datos.

 

Lo más gracioso del asunto es que el propio Moore declaró, cuando Sicko, su anterior trabajo, empezó a circular por la red a través de programas P2P que estaba de acuerdo con ello. Aparentemente no tiene demasiado sentido todo esto cuando la película ya la estaba distribuyendo de forma gratuita online.

 

¿Tendrá algo que ver con la salida a la venta en DVD de Slacker Uprising esta misma semana y no la va a comprar ni la tía Juana? Tra-la-ra-la-ra…

 

Enlace: Michael Moore Changes his Tune on Piracy | Vía: Film Junk